Youth Lagoon - Wondrous Bughouse (2013)

En el espacio que existe entre MGMT y Animal Collective encontramos el segundo álbum de Trevor Powers A.K.A. Youth Lagoon; éstas dos comparaciones son una aventura sonora impresionante que ninguna persona que clama algo hermoso y diferente puede perderse. Hablar de los inicios de Trevor es hablar apenas del 2011 cuando debutó con "The Year Of Hibernation", para entonces Trevor era un joven de 21 años realizando un disco vulnerable, extremadamente Lo-Fi, escondido entre eco y producción sucia, y música calmada y melancólica que hablaba de escape y recopilaba sentimientos de no pertenencia, descanso, huída; encajaba perfecto con el super difundido género chillwave y el ejército de artistas que sacaban álbums grabados en sus casas con resultados maravillosos. Tomó la atención de todos los blogs independientes y algunas publicaciones mayores y el resultado fue aclamación instantánea.

Hoy no ha pasado mucho tiempo, sigue siendo un artista joven con sólo 23 años y madurez quizá no es el calificativo que se le pudiese dar al sonido de Youth Lagoon, más bien, el sonido se ha transformado. La transformación del proyecto coloca a Trevor ya no entre los artistas con un pequeño disco realizado en una casa, sino un proyecto producido por Ben H. Allen; quien ha trabajando para artistas como Animal Collective, Cee-Lo Green, Deerhunter y Delphic. Esto explica la evolución del sonido, pero de manera lírica, el contenido de cada canción ya no está enclaustrado ni tiene el sentimiento escapista que se percibía en "The Year Of Hibernation".

Desde el momento que comienza "Wondrous Bughouse" se anuncia la diferencia, pues, luego de pasar el intro, "Mute", la primera canción del álbum estalla con baterías y un sonido bastante grueso que en su álbum anterior jamás habría sido posible. En "The Year Of Hibernation" cada canción comenzaba callada y con el tiempo iba robusteciendo su sonido, el caso de "July", hermosa pero calmada y paciente. "Mute" desde el inicio explica el sonido a través de la primera línea de la canción, "Living in a 3D world", el sonido estalla mucho más tridimensional y complejo.

"Attic Doctor", "Pelican Man" y "Sleep Paralisis" son los momentos que me hacen recordar a MGMT si trabajaran con una línea de producción un poco menos limpia. Son canciones con samples de cajas de música, pianos y mucho juego de eco y sonidos espaciales acompañados de guitarras ligeramente desafinadas con sonido trémolo. Si bien el sonido sigue apostando hacia el dream-pop, en muchas ocasiones, el discurso comunica un viaje psicodélico.

La primera canción que llegó a conocerse del álbum due "Dropla", aunque no era tan instantáneamente diferente al material anterior como "Mute", lo interesante de "Dropla" es la claridad de la letra sin perder lo nebuloso de la instrumentación.  Las imágenes son muchísimo más abstractas y espirituales "You're playing a song, one that's for me / While my physical body is turning in my grave" antes del coro repetido de "You'll never die", sin duda un cambio de composición que acompañado de la claridad en la producción alcanza un nivel al que no llegaría con la timidez de su álbum anterior.

"Raspberry Cane" es otra canción que sin duda resalta en su complejidad y por comenzar con amplitud sonora que lanza a un estado mental concreto, sin sugerir nada con música que suavemente te lleva a un lugar. Estas canciones están destinadas a lanzarte al mood de Powers de forma instantánea.

El efecto logrado por Youth Lagoon en esta entrega es un experimento sonoro disímil al hecho por Tame Impala en "Lonerism" y un Dream-Pop trascendental que se aleja del susurro de "MBV" hecho por My Bloody Valentine.

 

En éste álbum la fragilidad y vulnerabilidad siguen ahí pero potenciadas por millones de detalles que se aprecian cuando se sube el volumen con audífonos. Escuchaba el álbum mientras caminaba por la ciudad de la misma manera que hice con el anterior y la diferencia es que antes tenía que detenerme, huír y escuchar; esta vez  la música me invita a ver el mundo a apreciar mi alrededor. El disco anterior logra ese efecto invernadero, mientras que "Wondrous Bughouse" es una experiencia totalmente diferente, más que introspectiva: contemplativa.

Tracklist:

1. Through Mind and Back
2. Mute
3. Attic Doctor
4. The Bath
5. Pelican Man
6. Dropla
7. Sleep Paralysis
8. Third Dystopia
9. Raspberry Cane
10. Daisyphobia

Rate: 9/10

My Bloody Valentine - MBV (2013)

21 años han pasado desde que My Bloody Valentine sacaba nuevo material. Les tomó más tiempo que la democracia China, les tomó más tiempo que la fecha en la que el último disco de Nirvana fue realizado. En 21 años Godspeed You! Black Emperor tardó 12 años en sacar un follow up al exitoso "Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven", les tomó más tiempo que el próximo disco que quizá algún día haga Lauryn Hill si decide dejar su fanatismo religioso y su locura atrás y se concentra en entregarle al mundo lo que quiere y merece. Hay que estar loco para esperar durante 21 años un álbum y más loco para tardar en sacarlo.

Más allá de esto, conviene hablar de qué esperar de My Bloody Valentine en estos 21 años. ¿Acaso es lícito juzgar a MBV bajo la luz nostálgica de It's You y Loveless? Si bien la influencia de My Bloody Valentine es innegable, el estatus de leyenda pone en riesgo la comprensión de muchísimos de los die hard fans que esperaban un disco igual de influyente a Loveless 21 años después. Dicho esto, lo que se puede esperar es pop, no el pop efímero sino el pop trascendental, eterno, lleno de excelencia; ¿acaso eso sigue siendo pop?

El lanzamiento de MBV estuvo lleno de controversias, desde la fobia de Kevin Shields en cumplir cualquier plazo a su creatividad, que llevó a fechas falsas hasta fanáticos diciendo que así saliera el disco ya no lo comprarían porque se sentían engañados; como fans que, cuando por fin llegó la hora, hicieron que la página de My Bloody Valentine colapsara y la desesperación llegó a niveles tales que  hasta una petición del pueblo de los Estados Unidos al presidente se realizó, donde se pidió a Obama que hiciera algo para que la página de My Bloody Valentine volviera a funcionar. Ese es el efecto My Bloody Valentine, si no hay drama, angustia, engaño y desesperación no sería un lanzamiento de My Bloody Valentine.

21 años después de esperar, MBV es el disco más corto que ha hecho la banda. Quizá su poder de influencia hoy en día sea reavivar la llama del rock de los noventas, que desde hace unos años está tratando de retomar su poderío. MBV tiene todo lo que un follow up de Loveless debería tener, comienza con canciones que, más allá de llevar la banda a territorios nuevos, hace referencias de los trabajos anteriores aunque con un protagonismo de la voz de Bilinda Butcher inusual y refrescante, un perfecto ejemplo de esto es "Only Tomorrow", la segunda canción del disco. 

Estas referencias terminan cuando comienza la canción "New You", quizá la canción más pegajosa y straight forward que ha sacado la banda en su carrera, aparece. "New You" es una melodía pop clara de nuevo con la voz de Bilinda Butcher tomando el protagonismo, como si la música quedara atrás formando la nube ambientadora en vez de ser la verdadera causa.

Hasta "New You" MBV es un buen disco de My Bloody Valentine que no se ha preocupado por adentrarse en territorios nuevos ni a mostrar la capacidad explorativa que tiene Kevin Shields detrás de la guitarra. Hasta que llegó "In Another Way", con el título ya pareciera advertir que se va a tomar otro camino, con una batería ritual de Colm O'Ciosoig y Kevin Shields haciendo que su característico trémolo y sus reverbaciones alcancen un pico al que no llegaba con Loveless. Quizá una de las mejores canciones del disco. La siguiente canción, "Nothing Is", es una frenética canción que al estilo My Bloody Valentine alcanza tal nivel de sonido que bloquea todo lo demás que esté ocurriendo y obliga a absorber el sonido...esa capacidad de bloquear cualquier pensamiento y ahogarlo en sonido hasta que quedes completamente relajado, una de las razones que originalmente me llevan a escuchar a My Bloody Valentine o al shoegaze en general. "Nothing Is" hace que Sields alcance su verdadero esplendor. Finalmente "Wonder 2" es la perfecta canción WTF del álbum, ahogada en reverbación de la guitarra que suena a la turbina de un avión. Luego la canción se desenvuelve debajo de ese sonido de aeropuerto, se aprecia una batería metálica y la voz de Shields al fondo siendo interrumpida en instantes por su guitarra sonando casi como un instrumento de aire sin eliminar el sonido de ambientación que sale de ella misma. Uno no puede más que imaginar a Shields en medio del escenario con un sin número de pedales tratando de recrear todo el sonido.

Kevin Shields volvió a posicionarse como uno de los mejores guitarristas del mundo con MBV, reposicionó su estatus de leyenda y junto a My Bloody Valentine demostraron que en el mundo Post Capitalista, Post In-Rainbows, el mundo donde la música no da mensajes sucintos y trata de expresarse de forma tan inmediata como apoteósica puede quedar todo acunado en un sonido mucho más puro, mucho más primitivo, casi sagrado.

En conclusión MBV es la continuación perfecta de la leyenda, no pudo haber sido mejor. Ante la pregunta de si será tan influyente ahora como lo fue antes, yo diría que no, ya nadie estaría dispuesto a esperar otros 21 años por otro disco de My Bloody Valentine después de MBV, pero es injusto esperar que MBV sea el nuevo Loveless porque ambos tienen su momento.

Lo único que siento con MBV es las ganas de no justificarlo y escucharlo. Ése es review suficiente.

Tracklist:

1. She Found Now

2. Only Tomorrow

3. Who Sees You

4. Is This And Yes

5. If I Am

6. New You

7. In Another Way

8. Nothing Is

9. Wonder 2

Rate: 9.5/10

Beach House - Bloom (2012)

Las bandas de Dream-Pop han tenido bastante exposición los últimos años y Beach House se encuentra en el tope de la lista cuando se habla de cuáles verdaderamente representan el género. Desde su debut en 2006 ha sido mucha la evolución del dueto, no sólo por el hecho de que ha sabido sostener una creciente popularidad y cada lanzamiento los acerca a un sonido más definido y refinado; sino que la comodidad del dueto gana más respeto no sólo por la alabanza de los críticos sino por consolidar un puesto entre los que simplemente disfrutan de su música. Beach House se ha convertido en una de esas bandas ineludibles que uno tiene que correr a revisar a penas saca algún material nuevo.

El éxito de la banda tiene su origen en algunas cosas fundamentales, una es la capacidad de expresión que tiene la instrumentación, la atmósfera creada por percusión sintetizada, los melódicos ecos creados por la guitarra y la voz etérea de Victoria Legrand. No fue sino hasta el álbum de Teen Dreams  en 2010 que Beach House comenzó a sonar de forma más clara como una bandas aclamadas por la crítica ese año, Gorilla vs Bear le dio álbum del año y quedó bien parada en NME y Pitchfork, entre otros medios alternativos de música.

Sin duda Teen Dreams  sería un álbum difícil de superar tanto en éxito crítico como en creatividad sonora, y la banda tenía que cambiar algo para poder mantenerse en el tope, si seguían haciendo lo mismo seguramente habría seguido siendo excelente pero el dueto demostró que también podían cambiar algo y expandir un poco el horizonte de lo que la gente espera escuchar de ellos.

En Bloom se siente un protagonismo de Victoria Legrand como intérprete principal, ya no se fían de la atmósfera generada por la instrumentación y ella parece asumir con mucha más fuerza su rol de interpretación. La música sigue ahí, con toda su riqueza y todos sus detalles pero también cargada de mucha más simplicidad. Ya no hay tanta neblina alrededor del sonido y cada momento se contrasta detalladamente.

La primera canción "Myth" es el perfecto ejemplo para escuchar el nuevo camino que está tomando Beach House, si bien en seguida se reconoce el sonido característico de la guitarra ligeramente fuera de tono y la voz desolada de Victoria se distingue con su tono característico, la cortina de humo que se hacía previamente ha desaparecido y ahora todos los detalles se encuentran a la vista. Tal vez por eso el álbum se llama Bloom, porque busca de alguna manera florecer, salir a la luz, lleno de color.

La banda ha madurado con cada disco y ha logrado irse superando álbum tras álbum, pero si algo queda de esto es la confianza de que no hace falta esperar nada de la banda sino dejarse sorprender cada vez por la capacidad que tienen de reinventar el mismo sonido sin hacerlo repetitivo.

"Lazuli", el segundo single, comienza con un teclado electrónico torpe y adorable y va construyendo toda la acostumbrada neblina sin que la voz se pierda en el fondo del sueño, la mezcla de sintetizadores, pop y sonidos y cortes, se va construyendo en estructuras de canciones mucho más accesibles pero sin convertirse en superfluas referencias a un pop más frontal.

Los momentos más seductores además de los dos singles que han sacado hasta el momento también se encuentran en la segunda canción "Wild" la cual intercala distintos ritmos de la guitarra y manteniendo teclados que envuelven a la canción en un flujo de sonidos de fondo.

"Troublemaker" es otra canción que se alza con un aire misterioso similar al del álbum Devotion pero con mucho más frontal y en momentos hasta agresivo. Victoria Lagrand es la gran sorpresa de este disco, pues a pesar de que siempre ha tenido una voz particular en este disco por fin florece completamente su personalidad.

Muchas bandas que hacen Dream-Pop se les olvida dar detalles, se quedan perdidos en la niebla del sueño y no dan destellos de la realidad, en el caso de Beach House y Bloom, la banda hace lo que mejor ha hecho a lo largo de esta casi década de carrera, darnos algunos de los mejores sueños musicales que hay en el mundo de la música.

Tracklist:

1. Myth
2. Wild
3. Lazuli
4. Other People
5. The Hours
6. Troublemaker
7. New Year
8. Wishes
9. On the Sea
10. Irene

Rate: 9.3/10

Perfume Genius - Put Your Back N 2 It (2012)

El segundo disco de Mike Hadreas, Put Your Back N 2 It, no marca una ruptura con su primer disco Learning, pero sí con la forma en la que Perfume Genius produce su música. Si bien ambos conservan un sentido de intimidad, vulnerabilidad y belleza, el proyecto toma una nueva dimensión incorporando percusión y un sonido mucho más tridimensional, el primer disco, a pesar de recibir buenas críticas y tener todos los elementos de un disco excepcional tuvo fallas en producción, el disco no se disfrutaba de principio a fin, en mi caso muchas veces se tornaba tedioso, aburrido.

Esta segunda vez lo importante de Pefume Genius es que no importa cuánto se le agregue a la música, la vulnerabilidad del tono de voz de Hadreas y su capacidad expresiva hace que uno se cautive de forma inmediata; a diferencia de Learning, en este disco es su complejidad en las letras, mezclado con la producción más limpia no compromete la simplicidad de la música, pues cada canción aporta emociones mucho más adultas pero conservan de alguna manera la ingenuidad musical del trabajo previo.

El estado de ánimo que hacía de Perfume Genius algo digno de ser escuchado en Learning continúa en Put Your Back N 2 It, el asunto es que la producción esta vez permite apreciar más los distintos elementos de la instrumentación y hace que la voz se presente de forma inteligible.

El disco es sutil, y las progresiones en la instrumentación son bastante delicadas y mínimas, aveces incluso silenciosas. La manera en la que cada canción escala no depende más que de los mismos elementos que expresa desde el principio. Los sentimientos de abandono, soledad, introspección, inseguridad, todos trabajan en favor de la música; por lo general estos sentimientos son inalterables o cambian de forma progresiva y lenta y eso es exactamente lo que capta el álbum.

El disco mantiene una compostura, Hadreas no busca escandalizar al que escucha, sólo busca comunicar los sentimientos y buscar una manera para comunicar la desolación. Cada canción además son cortas y se encuentran totalmente completas, en espacios muy pequeños de tiempo se escuchan canciones completas, nada se encuentra fuera de lugar y todo está en su correcto lugar.

El disco aunque simple es muy variado, y cada cosa está en su lugar perfecto. Uno de los mejores del 2012 sin duda.

Tracklist:

1. Awol Marine
2. Normal Song
3. No Tear
4. 17
5. Take Me Home
6. Dirge
7. Dark Parts
8. All Waters
9. Hood
10. Put Your Back N 2 It
11. Floating Spit
12. Sister Song

Rate: 9/10

Twin Sister - In Heaven

Last year I kind of overlooked at Twin Sister, not because I didn’t knew the band, I certainly had to look what was the buzz about, but the music was all into detail, thing that got me thinking that the haziness of the production and droned soft melodies were kind of toning down the potential that the band really had. Is the same feeling I get when I listen to the Puro Instnct LP. I sure had to wait and see how this band could sound in the LP and I knew that I couldn’t entirely give up on them. In 2010 Twin Sister was all about some hazy songs with an exciting 80’s revival pop tune loved by many, and the home run achieved by “All around and away we go”. Don’t get me wrong, I loved this song as well, and I liked the EP, but even though I overlooked at them in my best of 2010 list I didn’t completely forgot them.

In the wait, between the two past EP’s, Twin Sister had a direction, they just had to follow the path and enjoy the ride; and then came In Heaven, back with all the production and focus to fully take advantage of the bands potential. The LP is less about the haze and more about taking each and every detail and giving them time to shine.

Even though In Heaven takes time to make room for details, this doesn’t mean that’s going to be boring, for example, the first single “Bad Street” takes a lot of references of club disco music, kind of reminding me of Chic’s “Le Freak”, is one of the finest party songs I’ve ever heard from a dream-pop (ish) band, and shows the wide rage of styles and influences Twin Sister can have.

Another difference that twin sister also have distinct to other dreamy bands this time around, is that they don’t compromise the quality of the music in the use of drones and shoegazy sounds that could drown the detail. It still has these sounds, for example, the last song “Eastern Green” or the recent single “Kimmi in a Rice Field”, the first one adding heavy noise guitars and the second one has long sounds and echoes but in both of them the aesthetic doesn’t drown the vocals and is completely intelligible.

Overall the LP was an improved Twin Sister and, for me, one of the best “dram-pop” albums of the year.

Tracklist:

1. Daniel

2. Stop

3. Bad Street

4. Space Babe

5. Kimmi In a Rice Field

6. Luna's Theme

7. Spain

8. Gene Ciampi

9. Saturday Sunday

10. Eastern Green

Rate: 8/10

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Papercuts - Fading Parade (2011)

Papercuts fifth album is a warning to all the young artists that want to start making music inside the Lo-Fi arena, it’s a trend with a lot of repetitions and only if you’re really good at it the production will help you, if not, the production will kill you, is that simple; and that’s the case of Papercuts, a very talented band that for their first big LP in a new “big” small record label (Sub Pop); instead of pushing the sound to another level, they did the same of their previous album and not updating their style, but leaving it exactly there, and the last time around, in the 2009 “You Can Have What You Want” they were capturing what dream pop is all about.

The Dream Pop sound should be about atmosphere and not about a clear picture, the music must express things in a sort of a haze but the music also needs to have a direction, that’s why the appreciation of details inside the atmosphere of the music only adds charm and makes the listener enjoy the little dots of focus here and there. When the Dream Pop becomes more of a dream and the haziness becomes more of a deep fog that doesn’t let you see anything you’ve got a problem, and Papercuts are guilty as charge in this LP, they put the dream on Dream Pop and all you want to do is go to sleep while the album is happening.

But don’t get me wrong, I love sleeping, the thing is that when your music knocks you out the value is not to enjoy it but to leave it there as a quiet companion that keeps you out of the addiction of sleeping pills, so in a way this kinds of records are a life and family savers, but don’t add anything to music.

In terms of the songs, none of them are bad, they get kid of all over the place lost in the reverb, and instead of becoming sort of cloudy like in Deerhunter’s albums, or become incredibly loud building from a straight silence to be elevated to a dream like M83, this band just gets lost behind a cloud, and you can almost hear that something cool is happening but is so far away that instead of pushing a right button gets exhausting, so listener finally gives up in trying to grab something out of it and settles for the blur.

I see a lot of people liking this sound for different reasons, it never gets hateful, and is never really awful, but in the end it’s just another dream pop band in the spectrum, and having to be there without adding anything special is just sad. I know every song might’ve been better if all the cloudy reverb would’ve been turned down a little to let the listener appreciate what was happening, but not even live their sounding that way. Again, I get why people like this, is just that I don’t get it. Why put the dream on Dream Pop if you can make an exciting dream? And if you’re going to make a dream about dreaming why not making it epic and do a sort of inception kind of dream? Do it epic or don’t abuse of the reverb, keep it simple, sometimes less is more.

The album is called "Fading Parades" and the reality is that it just fades away. For me is very Average, not bad, not good, just average, with good moments that could be great but are not. Some songs remind me of Seabear, and I love Seabear, but I rather listen to Seabear, there is really not much pulling me to say that this LP is great. It's a cute LP, listen to it, perhapes you'll like it, all I know is I don't hate it.

Tracklist:

1. Do You Really Want To Know
2. Do What You Will
3. I'll See You Later I Guess
4. Chills
5. The Messenger
6. White Are The Waves
7. Wait Till I'm Dead
8. Marie Says You've Changed
9. Winter Daze
10. Charades

Rate: 6/10

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#FlashBackSunday #Oscars2011 Scarlett Johansson - Anywhere I Lay My Head (2008)

Tonight is Oscar night, so I decided to post actors who have music projects and also acted on a movie nominated on anything this year, being Scarlett Johansson one of these actors. In 2008 Scarlett made a record called “Anywhere I Lay My Head”, containing Tom Waits cover songs, it was amazing to listen how a beauty of the proportions and fame of Scarlett didn’t turn to music to become even more famous, doing a crossover with blond bimbo quality like Mandy Moore.

The album is full of references of the tom waits sound but in moments she makes them darker and add instrumentation making them a little bit more epic sounding than the original songs, also the sentiment she uses when singing shock a lot of people, singing her songs almost like she didn’t care how they were sounding, just needed them to come out; it was that feeling of unawareness of the voice just putting the emphasis in the sentiment.

Another beautiful side of this LP was the echo and Shoegaze that she created in every track; it was really a smart way to not wanting to be better than Tom Waits, but to update the songs and the sounds with a smart approach to some other music genre, something that a cover is all about. This was a smart album and is not a milestone in the history of music but adds to Scarlett’s mystery and charm as an Icon, no mater if is for the fashion, indie or movie industry.

She explored the blues and the jazz and mixed it with Shoegaze and synths getting close to Dream Pop in some songs, she later got out the album she made with Pete Yorn, but this was her first solo music project, might not be a successful one, but it was a good one.

For 2011 she acted on Iron Man 2, big blockbuster that landed nominations of Visual Effects, today I’m not celebrating her as an actress but taking the opportunity to talk about her music. Hope you like it.

Tracklist:

1. Fawn
2. Town with no cheer
3. Falling down
4. Anywhere I lay my head
5. Fannin' street
6. Song for Jo
7. Green grass
8. I wish I was in New Orleans
9. I don't want to grow up
10. No one knows I'm gone
11. Who are you?

Rate: 7.6/10

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Puro Instinct - Headbangers In Ecstasy (2011)

The girls of Puro Instinct are two young sisters that dropped out of school to make music; they got into the Shoegaze inspired sounds and (one more line to the tiger) entered the world of Lo-Fi artists; for their first full length, they teamed up with none other than critically acclaimed underground artist Ariel Pink, and that alone created a huge expectation. The bands original name was Pearl Harbor, under that name they released an EP, but when they changed to Puro Instinct some things started to change.

For starters, the sound keeps being very California, a lot of sun and beach and boys and heartache, The difference is that in Pearl Harbor the sounds where clearer, and this time around the message gets lost in too many production tweaks, the voices are unattainable, hidden far away behind reverb and overwhelming bass line, and on top of it the singing is always a little bit out of key, something that did not happen when they where Pearl Harbor. Now is just sloppy and lazy, and it seems on purpose; just not cute like in the Scarlett Johansson cover record of Tom Waits (for example). For this new project they relied on the reverb and the sounds happening and not on the quality of what was coming out. Of course, even this fact doesn’t make the LP a terrible one, just never nails a pretty high up. In the “California Shakedown” track, for sure one of the already known ones of the LP, accompanied with very somber guitar arpeggio, a very protagonist bass and a guitar solo with a very shy singing under that overdone reverb, the song still doesn’t come out with the same freshness as the ones in the Pearl Harbor EP.

For an album called Headbangers In Ecstasy, it comes a moment when the headbanging and the ecstasy just gets lost, the interludes hardly make sense or accomplish the idea of making the album sound like a complete music experience. The songs go from sexy and fun to somber, or overwhelming lost between production tweaks; for example “Lost At Sea” has the beach summer love tune, with a lot of indie pop of the late 80’s and early 90’s musical references singed slightly out of tune, still the naivety of the music reflects a lot of immaturity and stand on the production and not on the quality of the song on its own.

In the somber sides of the LP, when the headbanging and the ecstasy is already lost, great moments appear, but they are not well used, take for example “Escape Forever”, when the use saxophones starts to make the song rather sexy, airy and kind of resembling a wet dreamy, and then you hear chilled guitars on top of dry drums that don’t seem to mix with the rest of the instrumentation at times, the airiness you where feeling just starts to fade away, but still all the variations are interesting and enjoyable, making possible to overlook everything, but the singing is what really kill the song (for me) , once again shy and out of tune voices hidden in the background. If the album was called “Slightly Out Of Tune” everything would have made a lot more sense.

I love the fact that this girls are young and interesting, and are not afraid to embrace psychedelic noise and mixing it with dream pop and indie pop, the idea of not wanting to do a straight forward album and complicate it a little is very respectable. What’s actually good about this album is that it is very South Carolina but didn’t settle to do another Lo-Fi record following the steps of Best Coast, these girls are very promising and I’m sure I’ll be expecting to hear more from them, for a debut of two young high school dropouts they demonstrate that they can do something productive with their time. The LP is not mind-blowing but is pretty descent, not a single song I hated, nor a really solid, excellent one.

Tracklist:

1. KDOD 1

2. Everybody's Sick

3. Lost at Sea

4. KDOD 2

5. Silky Eyes

6. Slivers Of You

7. KDOD 3

8. Stilyagi

9. Escape Forever

10. KDOD 4

11. No Mames

12. Vapor Girls

13. California Shakedown

14. KDOD 5

15. Luv Goon

Rate: 6/10

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Young Galaxy - Shapeshifting (2011)

If there’s one thing I can say about Young Galaxy’s new record is that every song have individual charm, some of them with too thumbs up and some of them jumping from boring to good or very good and then back to “I’m not really caring about this particular song”, but even in those songs this record is a grower.

The production is really clean, it never has a silenced moment or a very loud one but that doesn’t allow it to be standard, even with the singing it jumps from male to female vocals, but the indie rock is not so present in this LP like in the past, they now embrace a much more dream pop sound without getting shoegazey putting too much sound making the voices lay in the back, sometimes the voices take part in the ethereal instrumentation but this LP is meant to be understood, the lyrics are a main part of the picture.

Song by song starts really strong through out the first four songs that go right to where they want, very straight forward, then in the song For Dear Life they start the changes of instrumentation and tempo, they pass straight up electronic to dream pop but in a very serene and severe way, only to end in a very cheerful dance beat with 80’s pop influence without loosing a layer of dreamy waves. There are some other sexy beats and songs with space tropical pop in Peripheral Visionaries, probably the best written song in the entire LP and beautifully crafted.

There were songs I didn’t really cared about, the case of High And Goodbye, B.S.E., and the main song of the LP Shapeshifting or the one that gives the title to the album, each for different reasons, High And Goodbye because of it bores me to death, I didn’t understand the lyrics, the song is too slow and I didn’t care about the effects and the instrumentation, while B.S.E. and Shapeshifting are growers but not so obvious. I probably would have liked a little bit more of silence and airy spaces a little bit longere specially in Shapeshifting that tries to be quiet behind a wall of sound but never really gets shoegaze or dreamy enough.

Tracklist:

1. Nth
2. The Angels Are Surely Weeping (featuring Hanna)
3. Blown Minded
4. We Have Everything
5. For Dear Life
6. Peripheral Visionaries
7. High And Goodbye
8. Phantoms
9. Cover Your Tracks
10. B.S.E.
11. Shapeshifting

Rate: 7.8/10

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