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Tuesday, July 17, 2012

Fiona Apple - The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the Screw and Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do (2012)

Muchos son los artistas de los noventas que están teniendo sus retornos este año, R. Kelly, D'Angelo, Neneh Cherry, Garbage, No Doubt, Smashing Pumpkins, pero de todos quien regresa con mayor vitalidad es Fiona Apple. Ya los fanáticos de Fiona están acostumbrados a los largos períodos creativos que la artista se toma de un disco a otro. Además polémica generada por Extraordinary Machine con el movimiento Free Fiona demostró lo fuerte que puede llegar a ser la gente en la artista y la industria. Fiona es ahora una artista que se puede dar el lujo de esperar 7 años para sacar un disco y no ser una artista nostálgica pues tanto los que la conocimos en los noventas como las generaciones que la desconocen se interesan por ver de qué va esta artista.

7 años después de Extraordinary Machine Fiona retoma lo básico, The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the Screw and Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do tiene todos los elementos esperados por un disco de Fiona, pero también tiene una actitud desenfadada de una Fiona que no está apurada por hacer un producto que sorprenda a todos y que sea un fenómeno comercial. El disco da espacios calmados que se parece los discos anteriores pero que experimenta nuevas fronteras.

"Periphery", por ejemplo, cuenta con el clásico contenido lírico y percusión acostumbrada a un disco de Fiona pero juega con sonidos de palas contra tierra y piedras, sonando además como pasos de marcha militar. Desde el punto de vista sonoro Fiona experimenta con aplausos, objetos y la voz alcanza nuevos tonos, como en el single "Every Single Night" donde la voz brinca por encima de lo calmado de la música y semeja cantos de guerra tribales.

Igual las mejores canciones son las que muestran que la composición de Fiona sigue intacta, siempre refiriéndose a amores fallidos, fracasos emocionales y una que otra simplemente romántica; respetando además sus influencias de blues, jazz y rock. "Werewolf" cuenta la historia de una relación en donde ella contribuía a que el mounstro saliera, ya no es la victimaria de "Fast As You Can" sino se ha convertido en víctima de un monstruo al que ella misma contribuía a sacar.

"Hot Knife" es un ejemplo de lo contrario, una Fiona que desea una relación con un hombre e insiste de forma casi obsesiva. La música en esta canción también es bastante aventurera, sólo percusión y voz haciendo juego de voces al estilo showgirls de bandas de oro al estilo Chordettes o Andrew Sisters pero sin sonar antigua o nostálgica.

El genio de Fiona no necesita de un disco cada dos años para mantenerse vigente, éste es uno de los discos con mayor vitalidad del año.


Tracklist:


1. Every Single Night
2. Daredevil
3. Valentine
4. Jonathan
5. Left Alone
6. Werewolf
7. Periphery
8. Regret
9. Anything We Want
10. Hot Knife

Rate 9,6/10

Neneh Cherry & The Thing - The Cherry Thing (2012)

Cualquiera podría pensar en Latinoamérica que Neneh Cherry es el resultado de un one hit wonder con el hit histórico de 7 Secunds que hizo junto a Youssou N'Dour, pero lo cierto es que desde el ochenta y nueve  Neneh Cherry ya había ganado un Mercury Prize antes de ese hit y su música siempre tuvo una frontera diferente, experimental, innovadora y con éxito en el mainstream. Hoy, a más de 20 años de su origen, Neneh Cherry es una leyenda de la música británica que demuestra que todavía puede empujar ciertas fronteras y sorprender al público.

Desde 1996 con el éxito de MAN, Cherry ha desaparecido de la música, se asoció a la banda Trip-Hop cirKus desde el 2005 y no ha vuelto a sacar material solista, pero The Cherry Thing tiene una presencia muchos más frontal y renovada de Cherry. El proyecto es junto a The Thing, una banda de jazz con integrantes noruegos y suecos que no conocía hasta ahora, pero el proyecto está lleno de influencias de ambas partes; Neneh Cherry aporta su voz impecable y su historia en el mundo del Hip-Hop, Trip-Hop, Pop, y The Thing coloca la parte de Jazz y su improvisación controlada y a la vez caótica. El resultado es un espectáculo que nadie se puede perder.

El estilo general del disco no representa a ninguno de los géneros de los artistas de forma pura, es extremadamente experimental y refrescante; canciones como "Cashback" y "Too Tough To Die" aportan el lado fuerte del disco, el bajo cambiando junto con la voz a tonos incómodos pero coherentes, la trompeta jugando a hacer sonidos fuertes como de guitarra y la batería pasando del silencio al frenetismo en típicas progresiones caóticas del jazz de la calle. Otras canciones como "Dram Baby Dream" entran en un loop que podría ser similar a los del ritmo del Trip-Hop, se van adicionando instrumentos con cada vuelta, pero con una influencia de la crudeza del Jazz, sin un solo sintetizador en la mezcla. Esta novedad se repite en varias canciones y podría afectar la paciencia de aquel que quiere que la canción comience de forma más directa.

El álbum también cuenta con las canciones románticas y vulnerables con canciones como "What Reason Could I Give", una balada de jazz experimental, si al leer jazz te imaginas a Ella Fitzgerald o Chet Baker y no estás abierto a otra posibilidad, entonces quizá este no es el tipo de baladas que te llegarán ni el tipo de jazz que te puede mover algún tipo de fibra.

Ahora, sin duda la mejor canción del álbum es el cover de 6 minutos que le hicieron a la canción de 2 minutos de MF DOOM y Madvillain "Accordion" (para el vídeo redujeron algunas partes improvisadas que alargan la canción), la inteligibilidad de la voz de Cherry junto con la progresión que va haciendo agresiva la trama de la historia van haciendo de la canción  una experiencia completamente diferente al clásico Hip-Hop acostumbrado en la original, de hecho la cadencia con la que van cayendo las rimas hacen de la canción uno de los mejores covers que jamás haya escuchado.

The Cherry Thing combina elementos que no son completamente innovadores en sentido estricto, esto ya se ha hecho antes, pero es extremadamente interesante escuchar el resultado con el que vinieron estos dos artistas diferentes, y es mucho más interesante ver cómo los horizontes conocidos de mezcla de géneros cada vez van creando cosas nuevas.



Tracklist:

1. Cashback
2. Dream Baby Dream
3. Too Tough to Die
4. Sudden Moment
5. Accordion
6. Golden Heart
7. Dirt
8. What Reason Could I Give


Rate: 8.3/10

Sunday, July 15, 2012

Los Burritos Semidesnudos - Nos Vimos (2012)

Los Burritos Semidesnudos son una parte de la banda venezolana Captan-Obvio; el proyecto solista de Mario Anzola y Eduardo Pereira, dos músicos que en el disco anterior tenían una onda western buscando visa para seguir un camino. Con el pasar del tiempo ha sido mucho lo que ha pasado, Captan-Obvio se ha convertido en una banda desmembrada por la migración de sus miembros y cada cual por su lado ha recibido diferentes influencias musicales. El caso del proyecto de Los Burritos Semidesnudos siempre se ha caracterizado por dejar un poco el ska y el rock atrás y armarse de guitarras acústicas, trompeta y armónica para expresar sea lo que sea que se sienta.

Los Burritos han madurado en su forma de componer, se han olvidado un poco de los chistes de todos los días y de hacer un disco que sólo contenga ironías y buenos momentos; no con esto el trabajo se convierte en uno aburrido, siguen divirtiéndose y divirtiéndonos, pero esta vez vienen cargados de emociones que muestran una belleza y vulnerabilidad de composición que antes quedaba nublada en el entretenimiento. Si bien antes la música de los Burritos buscando visa era comedia con una música muy seria, la fórmula ahora es muy seria y haya la diversión en letras irónicas, el caso de "No Como S.O.P.A", donde dicen que "la sopa se sirve en mi plato y no en mi láptop señor congreso de los tormentos". Sin duda cómico, pero también con una intención a ser entendida por mercados mucho más amplios que los que dominan la gerga venezolana.

Las influencias siguen siendo westerns, no acercándose a The Good, The Bad & The Ugly, pero sí quizá a trabajos similares a los hechos por la banda de Zach Condon (Beirut), pero es mucho más diverso y universal, como en la canción "Viajando Al Sur Por Alcohol" que es una especie de canción ligeramente brasilera pero que en realidad suena bastante genérica y universal a pesar de sentirse folk. El LP a pesar de seguir contando con una producción DIY, cuenta con un sonido que es mucho más claro y una idea igual de definida que en el trabajo anterior pero mucho mejor traducida a sonido.

Pero son los momentos más vulnerables del LP los que me llegan, "Balada de Primavera", "Good To Be Back", "Nos Vamos" y "Quite A Comeback".

"Nos Vamos" es una canción de amor a los venezolanos que se van, a la banda de Captan-Obvio, a los amigos que se van y las otras dos son parte del mismo discurso pero sin letra.

Nos Vimos es la historia de dos amigos que se fueron y se vieron, lo maravilloso es que dejaron registro del encuentro y de forma literal, Nos Vimos no podía terminar sin "Nos Vamos". Captura sin palabras la alegría de amigos reuniéndose y la melancolía contemplativa de que será corto y nos iremos de nuevo.

Magnífico trabajo que, además, es gratis.

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Tracklist:

1. Quite a Comeback
2. Se Acabo el Ron
3. No Como S.O.P.A
4. Seeking What
5. Balada de Primavera
6. Viajo Al Sur Por Alcohol
7. Glad to be Back
8. Nos Vamos

Rate: 8.1/10

Beach House - Bloom (2012)

Las bandas de Dream-Pop han tenido bastante exposición los últimos años y Beach House se encuentra en el tope de la lista cuando se habla de cuáles verdaderamente representan el género. Desde su debut en 2006 ha sido mucha la evolución del dueto, no sólo por el hecho de que ha sabido sostener una creciente popularidad y cada lanzamiento los acerca a un sonido más definido y refinado; sino que la comodidad del dueto gana más respeto no sólo por la alabanza de los críticos sino por consolidar un puesto entre los que simplemente disfrutan de su música. Beach House se ha convertido en una de esas bandas ineludibles que uno tiene que correr a revisar a penas saca algún material nuevo.

El éxito de la banda tiene su origen en algunas cosas fundamentales, una es la capacidad de expresión que tiene la instrumentación, la atmósfera creada por percusión sintetizada, los melódicos ecos creados por la guitarra y la voz etérea de Victoria Legrand. No fue sino hasta el álbum de Teen Dreams  en 2010 que Beach House comenzó a sonar de forma más clara como una bandas aclamadas por la crítica ese año, Gorilla vs Bear le dio álbum del año y quedó bien parada en NME y Pitchfork, entre otros medios alternativos de música.

Sin duda Teen Dreams  sería un álbum difícil de superar tanto en éxito crítico como en creatividad sonora, y la banda tenía que cambiar algo para poder mantenerse en el tope, si seguían haciendo lo mismo seguramente habría seguido siendo excelente pero el dueto demostró que también podían cambiar algo y expandir un poco el horizonte de lo que la gente espera escuchar de ellos.

En Bloom se siente un protagonismo de Victoria Legrand como intérprete principal, ya no se fían de la atmósfera generada por la instrumentación y ella parece asumir con mucha más fuerza su rol de interpretación. La música sigue ahí, con toda su riqueza y todos sus detalles pero también cargada de mucha más simplicidad. Ya no hay tanta neblina alrededor del sonido y cada momento se contrasta detalladamente.

La primera canción "Myth" es el perfecto ejemplo para escuchar el nuevo camino que está tomando Beach House, si bien en seguida se reconoce el sonido característico de la guitarra ligeramente fuera de tono y la voz desolada de Victoria se distingue con su tono característico, la cortina de humo que se hacía previamente ha desaparecido y ahora todos los detalles se encuentran a la vista. Tal vez por eso el álbum se llama Bloom, porque busca de alguna manera florecer, salir a la luz, lleno de color.

La banda ha madurado con cada disco y ha logrado irse superando álbum tras álbum, pero si algo queda de esto es la confianza de que no hace falta esperar nada de la banda sino dejarse sorprender cada vez por la capacidad que tienen de reinventar el mismo sonido sin hacerlo repetitivo.

"Lazuli", el segundo single, comienza con un teclado electrónico torpe y adorable y va construyendo toda la acostumbrada neblina sin que la voz se pierda en el fondo del sueño, la mezcla de sintetizadores, pop y sonidos y cortes, se va construyendo en estructuras de canciones mucho más accesibles pero sin convertirse en superfluas referencias a un pop más frontal.

Los momentos más seductores además de los dos singles que han sacado hasta el momento también se encuentran en la segunda canción "Wild" la cual intercala distintos ritmos de la guitarra y manteniendo teclados que envuelven a la canción en un flujo de sonidos de fondo.

"Troublemaker" es otra canción que se alza con un aire misterioso similar al del álbum Devotion pero con mucho más frontal y en momentos hasta agresivo. Victoria Lagrand es la gran sorpresa de este disco, pues a pesar de que siempre ha tenido una voz particular en este disco por fin florece completamente su personalidad.

Muchas bandas que hacen Dream-Pop se les olvida dar detalles, se quedan perdidos en la niebla del sueño y no dan destellos de la realidad, en el caso de Beach House y Bloom, la banda hace lo que mejor ha hecho a lo largo de esta casi década de carrera, darnos algunos de los mejores sueños musicales que hay en el mundo de la música.


Tracklist:

1. Myth
2. Wild
3. Lazuli
4. Other People
5. The Hours
6. Troublemaker
7. New Year
8. Wishes
9. On the Sea
10. Irene

Rate: 9.3/10

Perfume Genius - Put Your Back N 2 It (2012)

El segundo disco de Mike Hadreas, Put Your Back N 2 It, no marca una ruptura con su primer disco Learning, pero sí con la forma en la que Perfume Genius produce su música. Si bien ambos conservan un sentido de intimidad, vulnerabilidad y belleza, el proyecto toma una nueva dimensión incorporando percusión y un sonido mucho más tridimensional, el primer disco, a pesar de recibir buenas críticas y tener todos los elementos de un disco excepcional tuvo fallas en producción, el disco no se disfrutaba de principio a fin, en mi caso muchas veces se tornaba tedioso, aburrido.

Esta segunda vez lo importante de Pefume Genius es que no importa cuánto se le agregue a la música, la vulnerabilidad del tono de voz de Hadreas y su capacidad expresiva hace que uno se cautive de forma inmediata; a diferencia de Learning, en este disco es su complejidad en las letras, mezclado con la producción más limpia no compromete la simplicidad de la música, pues cada canción aporta emociones mucho más adultas pero conservan de alguna manera la ingenuidad musical del trabajo previo.

El estado de ánimo que hacía de Perfume Genius algo digno de ser escuchado en Learning continúa en Put Your Back N 2 It, el asunto es que la producción esta vez permite apreciar más los distintos elementos de la instrumentación y hace que la voz se presente de forma inteligible.

El disco es sutil, y las progresiones en la instrumentación son bastante delicadas y mínimas, aveces incluso silenciosas. La manera en la que cada canción escala no depende más que de los mismos elementos que expresa desde el principio. Los sentimientos de abandono, soledad, introspección, inseguridad, todos trabajan en favor de la música; por lo general estos sentimientos son inalterables o cambian de forma progresiva y lenta y eso es exactamente lo que capta el álbum.

El disco mantiene una compostura, Hadreas no busca escandalizar al que escucha, sólo busca comunicar los sentimientos y buscar una manera para comunicar la desolación. Cada canción además son cortas y se encuentran totalmente completas, en espacios muy pequeños de tiempo se escuchan canciones completas, nada se encuentra fuera de lugar y todo está en su correcto lugar.

El disco aunque simple es muy variado, y cada cosa está en su lugar perfecto. Uno de los mejores del 2012 sin duda.




Tracklist:

1. Awol Marine
2. Normal Song
3. No Tear
4. 17
5. Take Me Home
6. Dirge
7. Dark Parts
8. All Waters
9. Hood
10. Put Your Back N 2 It
11. Floating Spit
12. Sister Song

Rate: 9/10

BADBADNOTGOOD - BBNG2 (2012)

Una de las cosas más interesantes que tiene la disquera de OFWGKTA es su habilidad para agrupar muchísimos artistas DIY que conserven la historia del género hip hop y nadie recuerda mejor sus orígenes que BADBADNOTGOOD. Desde sus colaboraciones con Tyler, The Creator y otros miembros de la disquera, los discos de BADBADNOTGOOD cuentan con todo aquello que el hip hop instrumental debe contar, sobre todo las claras reseñas al origen. Funk, Soul, Blues, Jazz, todas las influencias caben en el género que se centró en tomar de todos los géneros existentes y crear algo que sonara diferente.

Lo más interesante que tiene BBNG2 es que es una banda compuesta por muchachos adolescentes, todos por debajo de los 21 años, esto como bofetada para aquellos que creen que la juventud de hoy en día se ha perdido en referencias efímeras de la música pop y en bombardeos de los medios de comunicación, no sabría decir si esto es un triunfo para padres que siguen criando bien a sus hijos o si mas bien es una bandera infravalorada para la juventud que cada vez se aísla más en el consumo masivo de algún producto musical sin trascendencia.

Otro dato curioso es que BBNG2 fue grabado en una sola sesión, durante un Jam Session de 10 horas. Son adolescentes, son talentosos y se reúnen a tocar música y disfrutar del encuentro y terminan grabando un disco sólo porque fue divertido hacerlo.

Un puñado de canciones fue escrita por la banda y el resto son covers y arreglos de otros artistas; se alza la notable influencia de James Blake, de quien toman el cover que hizo a Feist "Limit To Your Love" y su canción de su hit como DJ "CMYK", la cual además es una de las mejores canciones del álbum, pues traducen toda la experiencia sonora que puede causar un artista como James Blake y lo llevan a instrumentos reales y el sentimiento de jam que la banda imprime a lo largo del disco.

Además otros artistas influyentes son Odd Future, por supuesto, y una reinterpretación de "You Made Me Realise" de My Bloody Valentine, independientemente del origen de la canción que versionan, el jam los lleva a meterse dentro de la canción y extraer de ella una esencia que se mezcla con su instrumentación que, más allá de alternar protagonismo en cada instrumento, llena el espacio con música corriendo en todas las direcciones. A pesar de que la banda está haciendo jazz los orígenes de cada canción llevan a resultados diferentes, fórmulas de jazz que, más allá de irrespetar la forma clásica en la que se ha desarrollado el género, dan vida nueva al género, lo llenan de mayor oscuridad, diversidad y lo actualizan.

Sin una sola palabra en el disco, BADBADNOTGOOD logra rescatar a una generación del abandono a ritmos clásicos sin dejar de ser cool. Y lo mejor de todo, está disponible para descargar de forma gratuita en su página web.

¡Descarga!










Tracklist:

1. Earl (Feat. Leland Whitty)
2. Vices
3. Rotten Decay
4. Limit To Your Love
5. Bastard / Lemonade
6. CHSTR
7. UWM (Feat. Leland Whitty)
8. DMZ
9. CMYK
10. Flashing Lights
11. You Made Me Realise (Feat. Luan Phung)

Rate: 9/10

Zammuto - Zammuto (2012)

Una de las bandas más experimentales con una de las trayectorias más consistentes en la historia de la música sin duda fue The Books. De disco en disco combinaban magistralmente samples y beats y hacían que la locura que podían causar los efectos no terminados de cada canción sonaran al final como una propuesta unificada y coherente. El último disco de The Books The Way Out, fue sin duda la mejor manera de despedir a la banda, en el que, personalmente, Nick Zammuto y Paul de Jong, hicieron uno de sus mejores esfuerzos para crear un disco que recogiera toda la influencia que a lo largo del tiempo tuvo la banda en sus 12 años de vida.

Sin remordimientos sobre el final de The Books, Nick Zammuto nos deleita con su primer trabajo solista titulado simplemente Zammuto. Desde el principio se siente el cambio de tono que lo diferencia de The Books pero no pierde el espíritu experimental maravillosamente raro. Zammuto suena mucho más simple y descomplicado, la primera canción "Yay" introduce al disco con percusión fuerte y su voz sintetizada que tiemblan en vaivén intercalando el silencio y el sonido con los lados izquierdo y derecho, a pesar de que la canción cuenta con percusión agresiva siempre tiene una sensación feliz y las voces alcanzan momentos de belleza dignos similares a la voz de Jónsi (vocalista de Sigur Rós).

La simplicidad de la banda ahora que es una banda de un solo hombre de todas maneras no extraña el nivel de complejidad que tenía The Books, es mucho más directo, y cuenta también con samples al estilo The Books pero mucho más cortos y organizados.

"Groan Man, Don't Cry", la segunda canción, da la oportunidad de además disfrutar de las destrezas en la guitarra de Zammuto en primer plano, sin distraerse por los demás elementos que mezclaba con The Books. La ironía sigue ahí, canciones como "Too Late To Topologize" se presentan como baladas pero que te mantienen en un buen estado de ánimo y divirtiéndote, y los momentos serios del disco están llenos de tantos detalles y diversidad en las letras que tampoco es que se torna completamente serio. Es un disco completamente divertido y experimental que quiebra con los trabajos de The Books pero no hace que el oyente se ponga nostálgico, es completamente innovador.

Si se trata de elegir la peor canción de este disco, me atrevería a decir que no existe, todas las canciones aportan algo interesante a la mezcla y es diverso, directo, sin rodeos, divertido e innovador; no puedo dejard de recomendarlo

Zammuto ahora entra a la escena de discos de sonoridad complejas dirigidos por un solo hombre y que llevados a una puesta en escena se tornan en un evento completamente interesante, pues no estamos hablando de un one piece band de un artista nuevo sino un artista añejado y con experiencia que se suma a una fila de nuevos como Machinedrum. Les dejo el stream del disco.



Tracklist:

1. Yay
2. Groan Man, Don't Cry
3. Idiom Wind
4. Crabbing
5. F U C-3PO
6. Too Late To Topologize
7. Zebra Butt
8. Weird Ceiling
9. Harlequin
10. The Shape of Things to Come
11. Full Fading

Rate: 8.7/10

Saturday, July 14, 2012

Sébastien Tellier - My God Is Blue (2012)

Ha sido mucho lo que ha crecido como artista Sébastien Tellier desde que representó a Francia en el festival de Eurovisión del 2007. No que antes Tellier no hubiese podido lograr una trayectoria como artista, pero Eurovisión marcó su internacionalización definitiva. Desde entonces, Tellier ha hecho distintas colaboraciones  con la casa de Ed Banger pero ha sabido separarse del tradicional electro francés sin ser necesariamente un reformador o un revolucionario.

En el trabajo realizado para My God Is Blue, Tellier transgrede las reglas tradicionales de su género aventurándose en los terrenos más kitsch de los clichés franceses y europeos aunque traduciéndolos de forma magistral a un objeto que va más allá de la belleza que puede darnos una pieza, trasciende su origen sonoro creando novedad y accesibilidad.

Si algo se puede acusar a Téllier es de rebelde y esto porque un rebelde no se ajusta a lo que normalmente se espera de él, este es el caso de My God Is Blue, donde encontramos a un Téllier pecando por exceso de epopeyas sonoras, la pirmera canción del álbum "Pépito Bleu" alterna entre pop de salón y un característico piano afrancesado que podría ser fondo de alguna escena romántica de una serie anime ambientada en Europa, esto no parece pisar ningún terreno que ya no se conociera en este artista; pero es al momento que comienza de fondo un canto sacro y sonido de campanas dándole un dramatismo extremo y preparando al que escucha a una experiencia de proporciones épicas. Tres pecados, pop de salón, piano cursi y canto gregoriano con campanas, y sólo pocos artistas como Téllier son capaces de salir airosos de tanto kitsch en una misma canción.

Luego de esta introducción el álbum pasa por diversos momentos sonoros, donde destaca la pieza disco "Cochon Ville", el Saxo orquestal épico de "Russian Attraction", la balada electrónica de "My Poseidon" y su antesala instrumental que es un poco reminiscente al disco Sexuality aunque incorporando solos de guitarra eléctrica que suenan a las bandas de rock de los ochentas, y la perversidad sintetizada de "Against The Law". Lamentablemente los mejores momentos del disco no compensan con el resto de las canciones que se muestran débiles frente a las demás, no necesariamente canciones de relleno pero sí que hacen que el disco se sienta disperso, incoherente y en ocasiones inclusive aburrido.

Independientemente de los defectos del disco, la integridad artística de Sébastien Tellier merece seguir siendo confiable, más cuando se ve traducido al punto visual, donde Téllier maneja con suma elegancia la ironía en la que él mismo se envuelve jugando con estereotipos y el mal gusto rococó característico de tiempos mas clásicos de la historia francesa. Si es cierto que existen artistas de sus generaciones y sus culturas, Sébastien Tellier es el perfecto francés, pues mezcla la irreverencia de Serge Gainsbourg con la sensualidad kitsch de Fausto Papetti sin olvidar que pertenece a su momento histórico, de manera que también juega con los estereotipos electrónicos que han definido a Francia en la última década. El resultado siempre es algo experimental, innovador, pero sin olvidar que ese espíritu debe ser traducido por música accesible.


Tracklist:

1. Pépito Bleu
2. The Colour Of Your Mind
3. Sedulous
4. Cochon Ville
5. Magical Hurricane
6. Russian Attractions
7. Mayday
8. Draw Your World
9. My Poseidon
10. Against The Law
11. My God Is Blue
12. Yes, It's Possible

Rate: 7/10

Wednesday, May 16, 2012

Thieves Like Us - Bleed Bleed Bleed (2012)


Cuando salió Thieves Like Us recuerdo que no me podía resistir a su estética completa, su forma de hacer vídeos, sus letras, su forma de hacer pop, los sintetizadores. De ninguna manera su forma de componer era nueva, y los vídeos intencionalmente jugaban con esta idea, lo malo es que con el tiempo la gente se ha ido olvidando de ellos (o ha dejado de divertirse con ellos) y a nadie parece importarle. Desde el 2010 no hacen alboroto musical y en popularidad van en declive desde Play Music.

La banda ha evolucionado muchísimo desde su terrible debut con el disco Berlin Alex, se adueñaron de la estética al estilo American Apparel y se dirigieron directamente a la demografía Hipster (quizá incluso a los más controversiales dentro del grupo), esto jugó a su favor al momento en que sale Play Music en el 2008 y la racha les duró hasta 2010 cuando todavía la gente bailaba al ritmo de Drugs In My Body. En 2010 aumentaron un poco más el nivel de su estética con el vídeo de Never Known Love, todavía sin traicionar su propuesta original. Con esta cuarta entrega Thieves Like Us nos vuelve a vender los mismos dos discos anteriores y si alguna vez deseé que nunca cambiaran, tanta repetición me hace cuestionar mi deseo, no quiere decir que los odie ahora o que reniegue de lo buenos que son haciendo lo que hacen, mas bien voy por la vía de preguntarme si hemos visto todo lo que tiene la banda para dar y si no avanzarán más de ahí.

Independientemente de pensar que la banda ha dado todo lo que tiene para darnos y nunca más sorprenderá, esto no cambia mi postura sobre las canciones: son buenas y merecen ser escuchadas. Esta vez, con Bleed Bleed Bleed, Thieves Like Us se centra en unas líneas de bajo mucho más pronunciadas, tienen un toque más sexy y se dedica menos a la irresistible frialdad de Play Music, estética que venían proponiendo de fondo desde Again and Again. La primera canción que se destaca del álbum para mí es Still Life, que entre sus loops y un bajo funky sonando de fondo de las estrofas se prepara para un coro mucho más pop que lo acostumbrado por la banda aunque refrescante.

También destaca The Killing Revelation, que repite la misma línea loopy melancólica y romántica con de nuevo un bajo sintetizado haciendo que el mood de la canción suene sexy a pesar del mensaje hippy de la letra, que de no ser la música de la forma que es sería un fracaso total, y el toque coqueto y divertido lo pone la canción Maria Marie. Existe dos diferencias entre Bleed Bleed Bleed y los dos discos anteriores de Thieves Like Us (a pesar de conservar la misma estética), 1) Bleed Bleed Bleed no tiene ninguna canción completamente mala como en los dos discos anteriores, pero tampoco llega a tener una canción verdaderamente buena y 2) El efecto de las canciones buenas de Bleed Bleed Bleed es mucho menos inmediato que el de las canciones buenas de los dos anteriores.

La mejor canción de la entrega es Your Love Runs Still. Ésta canción se encuentra en la línea media entre New Order y Sade sin referencias directamente nostálgicas y aunque no suena de este tiempo no suena pasada de moda, esta canción hace que el viaje entre canciones valga la pena.



Tracklist: 

1. Bleed Bleed Bleed
2. Stay Blue
3. Still Life
4. Fatima
5. The Killing Revelation
6. Bleed Bleed Bleed II
7. Maria Marie
8. Memory Song
9. Your Love Runs Still
10. Worthy To Me

Rate: 6.8/10

Monday, February 6, 2012

Lindstrøm – Six Cups Of Rebel (2012)

Hans-Peter Lindstrøm ha sabido mantener una sólida base de fanáticos y éxitos y alabanzas con la crítica, desde su aparición en la escena electrónica en el 2003 ha tenido una variedad de colaboraciones y remixes junto, su trabajo más notorio es probablemente el que tiene junto a Christabelle, aunque también ha gozado de una fama moderada entre los seguidores del space disco con sus colaboraciones junto a Prins Thomas.

Para el 2012 viene con su LP "Six Cups Of Rebel", un álbum en el que explora de forma más directa sus influencias disco y su sonido comienza a tener un color mucho más ochentoso que el alcanzado con Christabelle en canciones como Baby Can't Stop, la primera canción del álbum No Release comienza con el sonido de un órgano de tubos repitiendo en espiral una melodía mistérica, sin previo aviso, a medida que el espiral se va tornando más espacial, comienza el single del álbum Deja Vu, con una melodía que reformula las convenciones y progresiones clásicas de la música disco pero la consecuencia es que puede tornarse aburrida a aquellos que no están acostumbrados a los ritmos polifónicos y diversas influencias que mezcla; Deja Vi mezcla sonidos de música latina cliché, aplausos de dance hall y coros mowtown clásicos de setentas y ochentas, muy Earth Wind and Fire.

La segunda canción, Magik, mantiene el mismo espíritu de Deja Vi, esta vez centrando la atención en órganos y sintetizadores y un bajo espacial que se mezcla con la percusión, la canción también explora un poco el tradicional vacío espacial que se percibe en muchas de las canciones de Lindstrøm, y algunas referencias que se habían escuchado en Lovesic de su disco con Christabelle. Ya cuando llega la tercera canción Quiet Place to Live una especie de balada espacial que mezcla sonidos de vídeo juego con una percusión sólida y sintetizadores, con letra espiral que repite en distintos tonos "All I want is a quiet place to live".

Finalizando estas tres canciones el disco comienza a perder fuerza, en Call Me Anytime se perciben al principio influencias asiáticas y un órgano sintetizado borracho encima de baterías desordenadas y arítmicas, esto puede parecer interesante simplemente por lo diferente, como escuchar una especie de jazz avant -garde pero una vez que la canción encuentra su ritmo el interés parece difuminarse y concentrarse en un punto fijo en el espacio donde ya no hay nada que mantenga tu atención. La canción que da nombre al álbum Six Cups Of Rebel hace el intento de ponerse más fuerte, más motociclista, más película de acción, pero a estas alturas ya el álbum como tal ha muerto, lo que queda es un "sentarse y disfrutar" de detalles experimentales que parecen maquetas de canciones pero que nunca despegan, esto queda más que evidente cuando al final Hina es una canción que puede dejarse como fondo cuando no se le presta atención, pero vista en serio, no provoca escucharla más de una vez, son 9 minutos de divagaciones electrónicas que se quedan en las ramas y nunca terminan de llegar a ningún sitio.

En líneas generales, el noruego entrega un disco interesante mas no sólido, la simpleza que mostraba en discos solistas anteriores es mucho más encantadora, y la compilación de sus trabajos tempranos todavía nunca ha podido ser superada por otro disco solista, tal vez en alguna de sus colaboraciones ha alcanzado momentos diferentes pero I Feel Space todavía no ha podido ser superada en mi cabeza.

Independientemente de lo malo, Lindstrøm entrega 3 canciones buenas aunque difusas y el resto, aunque aburrido en momentos, es interesante, como una película lenta que al final, todavía le prestas algo de interés a la trama.


}

Tracklist:

1. No Release
2. Deja Vu
3. Magik
4. Quiet Place to Live
5. Call Me Anytime
6. Six Cups Of Rebel
7. Hina

Rate: 6.7/10

Thursday, February 2, 2012

Lana Del Rey - Born To Die (2012)

El furor que ha causado Lana Del Rey es tal que ha llegado a los oídos del mainstream y todos los hipsters tiemblan porque todavía no saben si amarla u odiarla, no saben si una artista que coquetea como nueva estrella mainstream merece su respeto, a pesar de que haga referencias a Take A Walk On The Wild Side de Lou Reed o Amazing Grace, tan influencial en la música folk de todos los tiempos desde principios del siglo XIX, o Roxanne de The Police. No importa cuánta influencia histórica tenga la música de Lana Del Rey, la cuestión que gira alrededor de ella es la pregunta de si su imagen afecta su música y no lo contrario, el asunto de si su propuesta auditiva tiene relevancia sólo por su propuesta visual o si en realidad la música tiene calidad.

La única manera de saberlo es analizando las dos cosas por separado, comencemos por el de su imagen. Elizabeth Grant juega con el imaginario clásico del sueño americano, la fortaleza de una imagen femenina empoderada por su sensualidad pero que libremente decide mantenerse atada a su hombre y su patria, demasiado demócrata para ser republicana, demasiado republicana para ser demócrata, demasiado frívola para tener una proclama política pero a la vez demasiado bien pensada como para ser inofensiva. Por otro lado queda la pregunta de quién la hizo, si un grupo de abogados, si un gurú de la industria, si una corporación mainstream o un equipo que desesperadamente necesita ponerle un rostro bonito al indie que tenga appeal para el mainstream. Independiente de todo esto a mi me interesa otra pregunta que muy pocos han dado una respuesta en serio, independientemente de la polémica alrededor de su imagen, si sus labios son inyectados o no, ¿su música tiene algún tipo de mérito como acompañamiento a su fama?

Aquí vale la pena hablar del segundo punto en la agenda, durante los últimos años el pop ha estado pasando por una serie de transformaciones, las divas sexuales como Britney o Christina ya no están teniendo tanta notoriedad y en contraposición las Selena Gomez & The Scene acaparan la atención de colegialas y el target del pop entre universitarios queda bajo la tutela de Adele que hasta los momentos no tiene par. El único fenómeno pop que queda por explicar o por fracasar es la indetenible fuerza de Lady GaGa y sus gays. Aquí es donde el proyecto Lana toma fuerza, pues la fuerza del pop en el indie está diluido entre varias artistas notorias, Karin Dreijer, Robyn, Lykke Li, La Roux, todas con propuestas demasiado serias para ser sólo imágen, son estética completa. Lana Del Rey en cambio tiene la misma actitud GaGa de diva con contenido pero su música se separa del pop de discotecas, pero fascina al mundo con la simplicidad del espejismo de Nancy Sinatra que representa, evoca la verdadera artista pop americana y la iconografía de Elvis, Marilyn y el rebelde James Dean.

Canción por canción sólo queda una desventaja, las canciones buenas ya se conocían demasiado antes del momento que saliera el disco, y el disco como tal no tuvo ninguna sorpresa. Born To Die fue el único descubrimiento post EP que valía la pena, acompañado además de un vídeo dirigido por otra fuerza pop visual indetenible (Woodkid). Off to the Races es una canción pop que podría llegar a ser el próximo single del álbum, tiene calidad comercial, la ya típica percusión hip y el arreglo de cuerdas y su voz carrasposa sexy con falsetes de niña buena.

Radio es también otro descubrimiento agradable, pues la canción muestra que al final la calidad de Grant seduce cuando es discreta y no cuando ambiciona demasiado, como sucede en el caso de National Anthem, que trata de hacer una especie de power rap con coros al estilo Michael Jackson o la balada de Violonchelo Carmen que intenta contar una historia a lo Nabokov con trágico melodrama pop. Million Dollar Man por otro lado suena a alguna balada que fácilmente podría haberse escuchado en algún disco de Fiona Apple con una letra un poco menos poderosa. This Is What Makes Us Girls también podría ser cualquier canción cursi si fuese cantada por una voz poderosa como Mariah Carey, o Britney, pero el color que le puede dar Lana hace que no suene tan mal, tiene una decadencia que resulta bastante atrayente, no es cualquier canción de summer break cantada por Katy Perry, a pesar de que la letra diga lo mismo que las otras niñas, Lana tiene más credibilidad por no intentar tanto en sonar tradicionalmente creible.

 Al final del día, las referencias musicales son en general bastante básicas, pero hay que recordar que es un disco pop, no importa lo clara o dura que suene una influencia de algún músico "serio", esta música está destinada a ser sobreexpuesta y consumida y es una brisa diferente en el pop, recuperando tal vez la imagen independiente del artista pop de los noventas (recordemos a Natalie Imbruglia, Joan Osborne, y la misma Fiona Apple), si me preguntaran a mí, no me importa cuántos abogados estén detrás de Lana Del Rey, yo prefiero confiar en este producto pop ya que puede llevarlo todo a rumbos diferentes, el artista pop simple y la inteligencia detrás de Lana es la de la simplicidad disfrazada de belleza. Puro maquillaje y nada de realidad, completamente seductor.

Aunque algunas de las canciones sean trágicos fracasos, otras sean decentes rellenos, otras sean vagas referencias a artistas y canciones idolatrados en el pasado y otras sean obras maestras como Video Games, la pregunta a si Lana Del Rey es un producto bueno o malo queda aún por verse y ruedan las apuestas, yo apuesto a que el cambio en las divas pop y el reciente influjo del indie y el rock puede poner las cosas interesantes para la música en los próximos años, creo que pronto todo dejará de ser Hip Hop vs Hip Hop en Estados Unidos o Electro vs Electro en Europa o Reguetón vs Reguetón en América Latina. Posiblemente el hecho de que una artista simple como Lizzie Grant tenga toda esta notoriedad demuestre que algo puede estar cambiando en la escena pop, quizás un decaimiento, y hasta podría decirse que ella no podrá con toda la atención que está recibiendo y se ahogará, como todas estas super estrellas pop de los noventas, aunque todas van dejando huellas, creo que todo podría ir sentando las bases para el regreso del rock, tal como sucedió a principios de los noventas que la gente se cansó del sintetizador y el neón pop de los ochentas, el rock ya lleva bastantes años en el background y las estrellas pop, aunque siguen notorias, tienen cada vez más presencia independiente...

 

Tracklist:

1. Born To Die
2. Off To The Races
3. Blue Jeans
4. Video Games
5. Diet Mtn Dew
6. National Anthem
7. Dark Paradise
8. Radio
9. Carmen
10. Million Dollar Man
11. Summertime Sadness
12. This Is What Makes Us Girls

Rate: 7.5/10

Neutral Milk Hotel - Box Set (2012)

Con la reciente popularidad que ha tenido Jeff Magnum, sea por sus recientes presentaciones en vivo sea bajo cuerdas o sea entre las bandas indies más nuevas o conocidas, y con todas las publicaciones importantes dándole al álbum "In the Aeroplane Over The Sea" grandes alabanzas; no es de extrañar que un relanzamiento del material hecho por una banda como Neutral Milk Hotel estuviese en listas como uno de los mejores Reissues que tendrá el 2012. Pero el Box Set no sólo cuenta con los dos LP que grabó la banda en los noventas y su EP y Single, sino que adicionalmente tiene 15 rarezas que jamás habían sido realizadas en físico.

Para aquellos que no han conocido la trayectoria de la banda o que sólo conocen "In the Aeroplane Over The Sea" el Box Set es una oportunidad para adentrarse en la historia de una de las bandas que más contribuyó para colocar en el mapa al indie, pues Neutral Milk Hotel ha formado parte de disqueras importantes como Merge y su líder formó parte fundamental del Colectivo Elephan 6 (compuesto por Neutral Milk Hotel, The Apples In Stereo, The Olivia Tremor Control y Of Montral), la colaboración del colectivo contribuyó a nuevos sonidos y nuevas formas de contar historias. Tal es el caso de álbums como "In the Aeroplane Over The Sea" cuyo modelo luego fue recreado por bandas como The Decemberist, Titus Andronicus, There Will Be Fireworks y muchas otras, que es el tipo de álbum que cuenta una historia continua sin separación de canción a canción pero con una estructura musical que tiende hacia los sonidos orgánicos del rock y el folk.

El Box Set está compuesto en principio por el primer EP de Neutral Milk Hotel "Everything Is" grabado en Lo-Fi con una producción de sonidos bastante saturados pero con voz inteligible; dada la reciente moda del Lo-Fi escuchar grabaciones como esta no sólo causa nostalgia por los noventas, sino que muestra cómo aveces lo nebuloso y el eco agregado a las voces para que suene psicodélico no siempre le aporta calidad a la música sino que la ahoga en adornos, en parte la belleza de la grabación de baja calidad es su simplicidad. 

Para aquellos que no sabían que Neutral Milk Hotel tenía otro material grabado aparte del alabado por la crítica, el Box Set da la oportunidad de pasearte por el primer LP de la banda "On Avery Island" de 1996 que tiene un sonido mucho más ambicioso y a ruidoso que la canción promedio de "In the Aeroplane Over The Sea", pero con el distintivo sonido de la la banda y la temblorosa voz de Magnum detrás de la instrumentación. En "On Avery Island" canciones como Pree-Sisters Swallowing a Donkey's Eye coquetea con experimentación de sonidos psicodélicos y el lado instrumental de la banda, pero el sonido clásico del rock, de sonidos ambiciosos como el intentado por artistas en la era de Phill Spector se alza también más claramente en canciones como "Song Against Sex", pero canciones lentas y llenas de sentimiento casi no están presentes en el primer LP de la banda "A Baby for Pree" son las que se acercan a ser prólogo de las canciones mejor articuladas.

También rarezas sueltas como Little Birds, canción que era conocida por los que iban a conciertos pero el público no había tenido acceso a tan alto nivel muestra la madurez de composición de Magnum y su capacidad de contar historias involucrándola con la música de forma envolvente cual trovador contando las aventuras de algún personaje.

Si te gusta Beirut, The Decemberist, The New Pornographer, Destroyer, Beck, Pavement, Broken Social Scene, etc., recomiendo que te pasees por la discografía de Neutral Milk Hotel compilada en este Box Set.







Tracklist:

Everything Is:

1. Everything Is
2.Here We Are (for W. Cullen Hart) 
3. Unborn
4. Tuesday Moon
5. Ruby Bulbs
6. Snow Song, Pt. 1
7. Aunt Eggma Blowtorch

On Avery Island:


1. Song Against Sex
2. You've Passed
3. Someone Is Waiting
4. A Baby for Pree
5. Marching Theme
6. Where You'll Find Me Now
7. Avery Island/April 1st
8. Gardenhead/Leave Me Alone
9. Three Peaches
10. Naomi
11. April 8th
12. Pree-Sister Swallowing a Donkey's Eye

In the Aeroplane Over The Sea


1. The King Of Carrot Flowers Pt. One
2. The King Of Carrot Flowers Pts. Two & Three
3. In the Aeroplane Over the Sea
4. Two-Headed Boy
5. The Fool
6. Holland, 1945
7. Communist Daughter
8. Oh Comerly
9. Ghost
10. Untitled
11. Two-Headed Boy Pt. Two

Ferris Wheel On Fire:


1. Oh Sister
2. Ferris Wheel On Fire
3. Home
4. April 8th
5. I Will Bury You In Time
6. Engine
7. A Baby For Pree/Glow Into You
8. My Dream Girl Don't Exist (Live)

Holland, 1945


1. Holland, 1945
2. Engine

Little Birds


1. Little Birds (Studio)
2. Little Birds (Live)

You've Passed/Where You'll Find Me Now


1. You've Passed
2. Where You'll Find Me Now

Rate: 10/10

Saturday, July 2, 2011

Bon Iver - Bon Iver (2011)

There's not much I can say about Bon Iver to people that already love them. But for the record: Bon Iver is a band, not a person (that because a lot of people mistake Justin Vernon with Bon Iver). These guys have been working a lot for the last years on separate projects or collaborating with other artists, like the song in the eclipse soundtrack with St. Vincent, the 2010 buzz worthy collaboration with Kanye West in not one but two songs, and also Justin’s electronic side project Vulcano Choir and S. Carey’s solo album; everything showing different faces of the Bon Iver talent.

Talking about Bon Iver self titled release will never be like talking about the previous releases just because the amount of fame and respect they’ve been getting since “For Emma, Forever Ago” make them a different caliber of artistry. That said, is normal that the buzz around this album overshadow everything that was good in “For Emma, Forever Ago” and over appreciate everything that good in “Bon Iver”.

For this album they play with every influence they’ve had in the past, it’s still Bon Iver being Bon Iver, but all the production tweaks inherited of Vulcano Choir adding a little electronic stuff and pumping up the variety in instrumentation. The opener “Perth” for example, it has the same song structure of old familiar Bon Iver songs starting slow, building up and then chilling down, the typical Bon Iver crescendo but this time around with a lot more of horns and instrumentation. And then you take the second song “Minnesota, WI” and do exactly the same but with electronic synths mixing with a banjo and some 80’s sounding sexy saxophone and electric guitars.

“Bon Iver” is bigger in terms of production and sound quality but in the same time some songs miss the intimacy that the acoustic simple songs tend to have in “For Emma, Forever Ago”. I can’t help to be a little bit on the fence in the case of taking the bigger Bon Iver as the better one, it is indeed a good album, I’d never say that is the best of the year (like Pitchfork pretends to be saying up to this point), but it is really a good album. I really loved how they included in every song a little bit of horns and sexy saxophones, this details make the LP more pop oriented and maybe that’s why it loses a little bit of intimacy.

None the less, I’m not resisting to the change and I’m sure it will grow on me, and even though is not the best album of the year it’s up there with the ones that stand out.


Tracklist:

1. Perth
2. Minnesota, WI
3. Holocene
4. Towers
5. Michicant
6. Hinnom, TX
7. Wash.
8. Calgary
9. Lisbon, OH
10. Beth / Rest

Rate: 8.5/10

Junior Boys - It's All True (2011)

Canada strikes back! Jeremy Greenspan and Matt Didemus together form the highly underrated electronic duo Junior Boys and for 2011 they follow up the amazing “Begun Dull Care” with the also amazing “It’s All True”. But before I get into the review (and since is the first review I make of Junior Boys) I’ll take some time to talk about their previous work.

In the beginning, Junior Boys were constantly rejected for their experimental and lo-fi room-made songs from 1999 to 2004 when they released their first LP “Last Exit” (some EP’s before that), a poorly produced album that demonstrated the awesome creativity of the band and the ability to create quirky synths to go along with the sweet vocals; this first album was like the little train that could and became a moderate hit of that year in some indie circles. Time Passed and for the 2006 release “So This Is Goodbye” everything changed, the production was sounding brilliant, the synths were tight and from beginning to end the album was 80’s revival and swag, relaxing airy songs but with seriously dance vibes that never made it to the party scene but could be really enjoyable. However nothing really matters when it came to the 2009 release “Begone Dull Care”, this was the million dollar baby, amazing production, amazing musical progressions and patience, they take their time to reach perfection on each and every song. Despite the awesomeness of the band “Last Exit” still sounded more quirky than the others and that’s always a beautiful thing.

The amazing thing about “It’s All True” is that Junior Boys are not trying to move forward with each and every album, the natural progression between the first three albums was not necessarily incoherent between one and another, but with the good production quality the quirkiness got lost on the way until this year. The opener “Itchy Fingers” opens with an upbeat move and amazing 80’s revival synths to then jump to the airy “Playtime” that has airy keyboards and in the middle Asian instrumentation. I also love how the quirkiness is back in every song.
On other note, if there’s one thing Junior Boys have mastered through the years is that they have the capacity to take a really long and soft song and keep you interested until the end, is something that this year can be compared to Cass McCombs or Destroyer as well, and Junior Boys always take time to work each song.

Another win for Junior Boys is the ability to give cohesiveness to all their discography with this album, I won’t say that this album is better than “Begun Dull Care” but I see myself being seriously addicted to this album in a similar way that I did with the 2009 release, in part because I’m patient with my music and I love the way that Junior Boys take their time to deliver every song.

This album is a High-Class-Pop-Dance glory and a world cultural reference tribute to the 80's dance pop, so I'm sure you'll enjoy it.


Tracklist:

1. Itchy Fingers
2. Playtime
3. You'll Improve Me
4. A Truly Happy Ending
5. The Reservoir
6. Second Chance
7. Kick the Can
8. ep
9. Banana Ripple

Rate: 8.7/10

Cults - Cults (2011)

Since the beginning of 2010 Cults has been consistently making a big buzz, from free giveaways to songs featured in HBO’s Weeds. But this indie fame doesn’t matter when it comes to the quality of the songs. Music tends to be in a way a revival of something else and Cults is no exception, they take all that was good from the 60’s and Phil Spector and take it again in the same level. Of course, this will always be a good thing, and if you like this kind of recordings you’ll like this record.

But now the downside, the few EP’s created such a buzz that made the wait for the album unbearable; if 4 songs together were amazing 11 were going to be pure bliss and in reality the album never gets to a point where any song is better than the EP’s, and the over exposure of the songs I already knew damaged the wow factor of the album, the best songs were already known and some of them since last year (already in my best of the year list).

This is not necessarily a bad thing; people will already know what to expect from this album, the moral of the story for the music lovers would be “don’t have any expectations”, because high hopes only work to be crushed down. The new songs “Walk in the Night”, “Never Heal Myself”, “Never Saw The Point”, “Bad Things”, “Bumper” and “Rave On” sound like Phil Spector covers and never really reach the level of the EP’s which is a shame because with the singles and the only song missing was “The Curse” of the 7” that was probably the worst song so that was a good judgment call. Overall the album is good to listen, short and sweet but contrary to what Pitchfork and probably the indie world thinks I don’t think this is one of the best albums of the year. For sure is a must listen and definitely popular, but the worth of the album is overshadowed for the fame of the songs everybody knew.

The 2011 singles are very good “Abducted” and “You Know What I Mean”; I really thought that the aggressiveness and heartache that these two songs had were going to set the tone for the new record but sadly no, the best songs were released separately from the album and some have a long time running around, is like the album is new and I’m already tired of it. Again, I like it and some of the songs I love, but as a whole, the album is just not making it for me as one of the “best of the year” is pretty standard good.

But you be the judge and listen to it, drop a comment, tell me that I’m crazy.


Tracklist:

1. Abducted
2. Go Outside
3. You Know What I Mean
4. Most Wanted
5. Walk At Night
6. Never Heal Myself
7. Oh My God
8. Never Saw The Point
9. Bad Things
10. Bumper
11. Rave On

Rate: 7.3/10

Sunday, June 12, 2011

Beastie Boys - Hot Sauce Committee Part 2

This one is not as old for it to not be reviewed, in fact, even if it was; the Beastie Boys are the kind of bands that need to be talked about.

The beastie boys are the kind of band that has such a distinctive sound that if you like one song you’ll like every song, and this is not because they’re repetitive (or not just for that) but because they can make anything sound like them and no one else. Since the beginning they’ve been in the rock, the pop and the rap all over the place and never compromising the personality of the band.

Lately they’ve been exploring a bit more into more mature territories, just remember the instrumental 2007 album “The Mix Up” that had more of a funk and experimental old school sounds that were a little bit more adult. And later this year the remake of the “Fight for your right to party” video that was very fun.

But in the case of “Hot Sauce Committee Part 2” they stepped up the game with the sound, this album is very cranky, not in the same way of “Ill Communication” that had the really loud songs like “Sabotage” but in a really new sound and produced sound that can saturate a bit more the drums and the vocals, for me this was a good thing, what was the down side of the record? The collaborative songs featuring songs with NAS and Santigold weren’t really good because the invited artist tends to be overshadowed by the Beasties and their distinctive sound. I can agree with people that say that the Beastie Boys are so loud that they need really special people to work with; it doesn’t go right with anyone thrown into the mix.

If one thing I can say of this record is that the beastie boys can still bring new stuff no matter how many years pass, they are catchy and fun and that’s the greatness of them, is really hard to get bored by them if you like them already.

This time around, the beastie boys are no committing with one idea at a time like they did on many on their previous albums, this album seems more of a combination of everything in one; a travel through the history of the influences that have taken part in the band, punk, rock, hip hop, reggae, and new and old tricks of production. I’ve been enjoying this album a lot and if you decide to give it a shot you’ll probably won’t be disappointed. Everyone has had some sort of contact with the Beastie Boys in life, but if you’re one of those rare cases of people that never been around them, this record is a good way to start because you can have a glimpse of everything they’ve been about through out the years.


Tracklist:

1. Make Some Noise
2. Nonstop Disco Powerpack
3. OK
4. Too Many Rappers [new reactionaries version] (featuring NAS)
5. Say It
6. The Bill Harper Collection
7. Don't Play No Game That I Can't Win (featuring Santigold)
8. Long Burn The Fire
9. Funky Donkey
10. The Larry Routine
11. Tadlock's Glasses
12. Lee Majors Come Again
13. Multilateral Nuclear Disarmament
14. Here's A Little Something For Ya
15. Crazy Ass Shit
16. The Lisa LisaFull Force Routine

Rate: 8.5/10

Google That Shit!

Tuesday, March 8, 2011

A Hawk and A Hacksaw - Cervantine (2011)

Heather Trost and Jeremy Barns are no strangers, Heather formerly of the band FOMA and Barnes the former drummer of critically acclaimed band Neutral Milk Hotel, no need to say how big Barnes is in the music world, they’re also responsible on discovering, collaborating and putting on the music map a kid named Zach Condon, also known as non other than Beirut.

With only these references, there’s no need to say how much I expected this LP and how badly I love this band, while a lot of bands of the same scene tend to change the sound, they stick to the Balkan, Turkish and Eastern European sounds and the not compromising sound to a certain ethnicity in particular, each song is rich in influences, experimental and not over the top.

The relevance of this LP is that is the first one they do out of Leaf Records, that was their record label since the beginning, and the reason is that they decided to embark in the adventure of starting their new label called L.M. Dupli-Cations.

In this LP most songs are instrumental, but the focus turns to Stephanie Hladowski voice in the song “Mana Thelo Enan Andra” beautifully executed with Greek musical inspiration remembering the richness of the mix of cultures of the area, and also the more intentional reference to Turkish music in the song “Üskudar”, that mixes earthy sounds with a busy percussion and the perfect mix of nimble strings that go along side with the vocals and a tuba setting the sentiment in the foundations of the song.

The production is impeccable, and some songs mix a cinematic playing with the distance of the instrumentation, in “Cervantine” the strings back out to allow a protagonist lead to the wind instruments and the Arabic Percussion. But nothing sets a romantic landscape like “Lazslo Lassú”, an instrumental piece with accordion and violin that steal the attention of the listener with a crying melody.

This LP is a class act of what A Hawk and A Hacksaw are all about; it has both, sorrow and a playful nature, and ad interesting changes on the production, managing and mixing the sound in familiar ways but with what seems a more oriented purpose, previous releases were a mix of experiences and collaborations that reflect the idea of travels and ethnicity growing together in a jam session, but this time around the spirit is still there but the demonstration is that there is now a path followed and the sound has rested in what becomes a distinctive sound of A Hawk and A Hacksaw.

Being a fan of Beirut for some years now, I loved how they contributed to the sound of “Gulag Orkestar”, and their own records shared a lot of these sounds, but this time around it seems like they’re really reaching for a produced identity that doesn’t show the parade of experience they’re having in their travels, but shows the path that has been already followed, this is by far the most mature album they’ve made, no longer showing their past influences and experimentations of playful and messy nature, but really accomplishing a sound of their own in a very beautiful way.

Miguel de Cervantes would've been proud.



Tracklist:

1. No Rest For the Wicked
2. Mana Thelo Enan Andra
3. Espanola Kolo
4. Cervantine
5. Üskudar
6. Lazslo Lassú
7. At the Vulturul Negru
8. The Loser (Xeftilis)

Rate: 8.3/10


Google That Shit!

Noah And The Whale - Last Night on Earth (2011)

It seems like a good idea to think that is time for Noah & The Whale to start pursuing different sounds, the reason is because there are a lot of bands that are getting not only dangerously close, but also are doing it just as good; the case of Mumford & Sons and their critically acclaimed debut album to set an example, and the personal sounds of indie folk that Noah & The Whale are going after were going to be awfully predictable and painfully failure if they would be hitting the same way.

This change was very much taken seriously with the third record of the band called “Last Night On Earth”, and for them the change started with the free download of “Wild Think” that was a good change for the band with the distinctive voice of Charlie Fink over ethereal synths and a very atmosphere quality of airy guitar and a little bit of electronic drumming, a really beautiful song that was pretty far from what the band was used to because this was not trying to approach some folk sound.

Everything became more evident when the lead single hit the scene “L.I.F.E.G.O.E.S.O.N”, that is a happy pop tune with pretty lyrics and a very upbeat spirit, a little bit of banjo but a distorted base. This song is a good one, the thing is that for the ones that are use to the previous work of the band it may come as a Californian sell out of the sound they had previously.

I think that the more relaxed and self aware epic sound that they were pointing previously is good, because at least they were trying to do something different, and not hang to the success of the sound and put themselves maybe like competitors against newcomers that are also doing good and probably would have done better than them in their old sound. It’s always good to have a band resign to their successful sound to conquer some new arena.

Now, the downside of the experiment is that there is never a really up point, is a very linear LP with not a single bad song and not a single good one, and not only is a good album but also the most fun that they’ve ever delivered, and I don’t know if I’m resisting to change, but I like to get my heart broken by a Noah & The Whale song every once in a while, they’re not the kind of bands you go looking for when you want to go dance on a beach in a pop scene, making songs like “Give It All Back” a real low point in the LP, the fun songs used to be really epic and now they’re just missing something, maybe is what happens when great folk musicians start exploring with electronic sounds, they get minimal and lose their epic qualities, it kind of happened with Beirut as well, but he managed to keep the same soul, which in case of Noah & The Whale they just get lost in this sort of happy and then suddenly getting dangerously close to some U2 kind of bull shit.

The old works of the band were good music, but this time around the album is catchy, and I don’t see anything wrong with being catchy, but seems like they’re approaching new markets and I fear that this catchiness could convert into making a bad record in the future, this one is not bad, at all, but is not better.



Tracklist:

1. Life Is Life
2. Tonight's the Kind of Night
3. L.I.F.E.G.O.E.S.O.N.
4. Wild Thing
5. Give it All Back
6. Just Me Before We Met
7. Paradise Stars
8. Waiting for My Chance to Come
9. The Line
10. Old Joy

Rate: 6.5/10

Google That Shit!

Burzum - Fallen (2011)

Burzum is a musical project of Varg Vikernes, he does all the instrumentation and his music outside the Black Metal or Dark Ambient sphere is not as known as his personal conflicts with the law, both with murder and church burning; he’s also related to some racist controversy and paganism; because of murder and church burning he did jail time the last 16 years and produced a lot of his music in jail with help of a fan that made a record label just for the purpose of putting out his music. In Norway the Black Metal has had very serious controversy and from the people’s point of view it has been a very criticized genre due to the people that started, involved in sever acts of vandalism, murder and very nasty and absurd suicides. So yes, Black Metal has had a very doubtful start in Norway but for many people this has been part of the charm of it. My opinion is that if you need to like the music for the personal history of the artists you’re more into it as a form of dogmatic religion and not as a music follower. Let’s face it, I love Bob Dylan or Cat Power, and probably I admire things about their personal lives, but that’s not what makes their music good, because I recognize that they’ve had terrible albums as anyone could.

That was the case of Burzum’s “Belus” LP, it was his first LP after more than 10 years and the first one he released since Vikernes got out of jail, and maybe had to do with that sense of freedom but the album was so loud that lost the qualities that Burzum had in the previous releases. Of course, the violent nature and the tinning guitars overshadowing every other sound in the record found some experimentation that were interesting in comparison to previous albums, this was finding Vikernes vocals clean on some moments and not this very agonizing wolf deep voice he’s characterized. In terms of Buzz, probably “Belus” had more buzz than “Fallen” has had this year, but musically speaking, Fallen is an honest attempt to push the previous sound of Burzum without destroying it in a very violent way like “Belus”.

I’ve never been a fan of Black Metal or almost any kind of Metal, and I hardly compromise to one genre, that’s why probably my critique of this record this time around can be easily criticized by some hardcore Metal fan, but we’re not talking about a closed logia, since the beginning the buzz around Burzum has crossed over to other listeners, thing that made him had conflict of ingresses with the record label of his later murder victim Øystein Aarseth (Deathlike Slice Records).

In terms of sound Fallen seems much more calmed, it has 7 songs but two of them are intro and outro very spacey and slow with different instrumentation from the rest of the album, so is practically a 5 songs album of almost 50 minutes. The songs have a production and structure very similar to other Burzum records and still retain some of the heavy grips of “Belus” but more soft with the Lo-Fi qualities and the wolf like voice is actually soft and almost haunting when the choruses of the songs come, for those into Black Metal this will not only be a good album, but the return of Burzum’s sound without sticking to the 90’s concepts, taking what was best from “Belus” and blending it all to the sounds known in classics like “Det Som Engang Var”.



Tracklist:

1. Fra Verdenstreet
2. Jeg Faller
3. Valen
4. Vanvidd
5. Enhver til Sitt
6. Budstikken
7. Til Hel og tilbake igjen

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