David Bowie - The Next Day (2013)

El 2013 ha sido un año de artistas influyentes y "leyendas" volviendo a la palestra. Si bien cada año tiene sus artistas clásicos haciendo un regreso; en ocasiones se trata de dinosaurios haciendo música nostálgica sobre su propia influencia rancia. Pocos son los que se salvan de la edad influyendo en sus inspiraciones, pocos todos los que siguen sonando actuales, los artistas que en 2013 están regresando son los que mantienen en alto la estatua de la influencia. My Bloody Valentine y su relación con Patti Smith quien también sacó un álbum el año pasado podría ser un ejemplo y David Bowie con el resto del espectro musical: Laurie Anderson, Lou Reed, Placebo, Marilyn Manson, The Cure, Nirvana, Smashing Pumpkins, Culture Club, y muchos más grandemente influenciados por el británico. David Bowie es quizá el artista más influyente que vive, pues una cosa es tener artistas con fama icónicos como Michael Jackson pero cuya influencia fue más llevada por ellos mismos y su música es irrepetible; el caso de Bowie es el opuesto, todo suena a él y su música está en todos lados.

"The Next Day" es el primer álbum de Bowie que recoge todas esas influencias. Si bien Bowie perdió su camino en los ochentas y noventas tratando de encontrar una voz que lo mantuviera en la vanguardia, y si además se convirtió en un artista que seguía tendencias en vez de imponerlas, todo fue de manera no comprometida. Hoy Bowie tiene 66 años, ya no puede ser tan provocativo, ya no causa fantasías sexuales jugando en la frontera de lo masculino y lo femenino, ahora necesita una forma diferente de provocar.

El juego de la provocación de "The Next Day" comienza con una foto portada que hace referencia a "Heroes", uno de sus mayores éxitos, escondido detrás de un cuadro blanco, no hay cara, no hay máscara, pero tampoco hay inteligibilidad de un Bowie verdadero. "The Next Day" intenta partir de las referencias clásicas de Bowie y a la vez separarse de ellas. La primera canción que escuché de Bowie fue "Rock 'N' Roll Suicide" de 1972, recuerdo que lo que más me impactó de la canción fue el grito preocupado de Bowie diciéndole a todo aquel que se sentía alienado "Oh! No Love! You're not alone!", un grito de vida, de esperanza, por canciones como esa Bowie se había convertido en la voz de otro chico "queer" y ya el mundo no estaba en los 70's. El hecho de que canciones de los sesentas y setentas de Bowie siguieran siendo relevantes en los noventas no era algo impresionante, no se trataba de que una canción fuese un clásico, iba más allá de escuchar The Beatles o Pink Floyd y que fuese música buena, más allá de la música, lo que trascendía de Bowie era el mensaje, rescatar en la juventud alienada de todos los tiempos que está bien ser un poco raro, que las diferencias te hacen particular y que en medio de la soledad a la que te lanzan tus rarezas "You're not alone!".

Así Bowie se convirtió en la voz de todas las generaciones con esfuerzos que hizo en los setentas. ¿30 años después qué ha pasado? Más allá de las reinvenciones Bowie envejeció con gracia, dejó sus experimentos sonoros en los que se aventuró desde los ochentas y volvió a hacer un álbum de Rock con su productor clásico, Tony Visconti.

La primera canción que se escuchó del álbum fue una balada, "Where Are We Now?"; la canción comienza con un Bowie reafirmando su presencia con mucha sencillez, haciendo referencia calmada quizá a su estatus de leyenda pero aceptando sin aceptarse como un dinosaurio del rock, "Just walking the dead", aquí se siente un cambio lírico a pesar de que Bowie continúa ahí, sigue siendo un Bowie que acompaña al mundo, pero se siente un poco más sombrío que hace 30 años, quizá retomando la oscuridad de "Heathen", haciendo referencia a su no eternidad "As long as there's me / As long as there's you", ¿se tratará de un Bowie aceptando el fin de su propia influencia? Si es así, igual es brillante por reconocer su ocaso con gracia.

La primera canción del álbum también hace esta referencia al ocaso, la diferencia con "Where Are We Know?" es que  "The Next Day" comienza con un Bowie afirmándose, "Here I am, not quite dead". La canción es enérgica, firme, alegre, pero con referencias oscuras que se esconden detrás de la música estimulante: "They can't get enough of that doomsday song", no dejo de darle un todo crítico al culto a la depresión presente en la música actualmente y Bowie en parte entendiendo, más allá de moralizar, reafirmando su presencia en esa escena.

El segundo single del álbum "The Stars (Are Out Tonight)" también tiene esa referencia a la vida moderna, además no hace más que volver a las antiguas inspiraciones cósmicas de su música. Escuchando la canción por primera vez pensé que sonaba a Dire Straits, pero también recuerdo escuchar Dire Straits y pensar que sonaba a Bowie; en esta canción Bowie vuelve a ser original, vuelve a ser fiel a él mismo, vuelve a su idea de marcar tendencias más allá de seguirlas. Esto se siente en más canciones del álbum, "Dancing Out In Space" mezcla baterías de los ochentas con guitarras de los noventas y coros de los setenta, suena a todas sus épocas, "let us sail back home tonight" canta, no es más que un Bowie volviendo a sus propias influencias.

Lo curioso de las influencias en este álbum es que da una sensación de Inception, así como la famosa película trataba de un sueño dentro de otro y dentro de otro, "The Next Day" es su propia influencia dentro de su influencia y dentro de su influencia. "I'd Rather Be High" tiene una guitarra con uno de los hooks más pegajosos que por sólo escucharlo suena a algo clásico, una vez más haciendo referencia a la muerte "I'd rather be dead or out of my head", un Bowie escapista pero completamente confiado de que no lo hace con madurez sino con la intención profundamente seductora que ha conservado a lo largo de su carrera. Presencia-Ausencia, dos sensaciones que causan la angustia del juego con el deseo.

El ritual del cortejo vuelve también con "Boss Of Me", referencias a bajos funk e instrumentos de viento, estos momentos no sólo marcan sus mejores canciones en la historia, recuerdan la genialidad de Bowie en hacer melodías envolventes pero claramente inteligibles, la separación de toda la tendencia posterior del rock que se centraba más en ser envolvente por ambientación musical y no por contenido. "Dirty Boys" también repite esta ilusión dentro de la instrumentación, guitarras, saxofón. "Dirty Boys" tiene un aire cabaret o un aire bar al estilo Tom Waits, sin dejar de sonar británico y haciendo cambios en el coro que lo hacen sonar al estilo que seguía en el álbum de "Heroes", el momento memorable es el solo de saxofón en la canción al final, pudo haber durado 10 minutos más sin dejar de ser interesante.

Sin necesidad de hacer un largo paseo canción por canción éste álbum es uno de los que cualquiera que quiera saber de Bowie debe tener. Ahora bien, Bowie tratando de dejarse influenciar por él mismo hace que el álbum suene al viejo Bowie con una vitalidad renovada, este es un logro en sí mismo, claro, no logra ningún momento memorable que sea tan aventurero o tan genial como los antiguos, igual sigue siendo su primer disco en 10 años y volvió a lograr éxito de ventas, llegando a número 1 en iTunes y todas las listas importantes desde 1993, otra azaña para un artista que se creía retirado, regresando con vitalidad y demostrando su bien ganado puesto en la historia de la música.

Hoy en día Bowie demuestra que su influencia es sobrehumana, es como si los extraterrestres lo hubiesen mandado para amoldar la música por un buen camino; en Bowie la aceptación, la rareza, la tolerancia, el salto entre géneros, las reinvenciones, todo ha sido posible. Sin Bowie en la historia nada de lo que hoy es libre artísticamente hubiese podido ser.

 

 

Tracklist:

1. The Next Day
2. Dirty Boys
3. The Stars (Are Out Tonight)
4. Love Is Lost
5. Where Are We Now?
6. Valentine's Day
7. If You Can See Me
8. I'd Rather Be High
9. Boss of Me
10. Dancing Out In Space
11. How Does the Grass Grow?
12. (You Will) Set the World On Fire
13. You Feel So Lonely You Could Die
14. Heat

Rate: 8,5/10

Miranda Dodson - Love Is Real Try Again E.P. (2013)

Miranda Dodson es una cantautora originaria de Austin, Texas. Viniendo de una de las ciudades más musicales del mundo, y donde la influencia Country y Folk son ineludibles, Miranda Dodson sorprende con este impecable E.P. de tres canciones. Love Is Real Try Again juega con la semántica que evocan los títulos de las tres canciones, la idea de que el amor persevera, la idea de que el amor siempre puede, la idea de intentarlo de nuevo cuando todo sale mal.

"Love Is" es la primera canción del álbum, un country upbeat, casi rayando en pop, hooks pegajosos, aplausos en el fondo del ritmo. Toda esa alegría y aplausos que invitan a brincar a la canción causa el equivalente country a una misa gospel, de hecho, la letra comienza haciendo referencias a la carta a los corintios 1 Corintios 13, por lo general un fragmento que se lee en bodas y eventos que celebran el amor. En cierto contexto comenzar con una canción que tenga una clara referencia religiosa tiene sentido, un E.P. que trata de comunicar confianza en el poder del amor con fe ciega tiene casi la misma referencia a la confianza en Dios de que las cosas saldrán bien.

En la música country, y más en el sur, las referencias a Dios se hacen con mucha frecuencia, disfrazadas de pop, con instrumentación atractiva, con ejecución impecable, pero en muchas ocasiones fallan en comunicar ese mensaje de esperanza, el "sugarcode" que pretende pasar un mensaje religioso de forma inofensiva por lo general reduce el alcance del mensaje pues un mensaje de fe sólo lo entienden los que la tienen. Supongo que tanto para el amor como para Dios lograr que la gente crea ciegamente se hace difícil.

Esa felicidad retratada en la creencia del amor de "Love Is" rápidamente es confrontada con la realidad. "Real" es una canción poderosa, ruda, confronta el idealismo del amor y lo obliga a echar un cable a tierra, a pesar de la dureza que comienza a comunicar la canción extiende todavía esperanza: "Then you will know that this is love and that it heals". El enfrentamiento  de las dos visiones de ideal y realidad sólo tienen sentido en una circunstancia, dos conceptos sueltos encuentran su máxima expresión en la última canción "Try Again".

"Try Again" es una canción absolutamente desgarradora que cualquiera que la oiga podría relacionarla con cualquier gran decepción, tribulación, duda. La realidad detrás de la canción está en una experiencia de Miranda Dodson intentando tener un hijo con su esposo y pasando por la experiencia de un aborto. La cantautora narra el sentido de vergüenza, de fracaso, de que hay algo mal dentro de ella, de derrota. Narra un día de tristeza que para una mujer está lleno de emociones incomesurables. La canción narra con extrema crudeza la experiencia, la música y la voz imprimen una tristeza que desemboca en un sano derramamiento de lágrimas y un final que hace que las otras dos canciones anteriores tengan sentido "This is for love, this is for love, that we try, that we pray".

"Try Again" confronta la idea de continuar la vida después de una pérdida, y luego enfrenta la idea de sanar y volver a intentar, es una canción de liberación de una experiencia traumática, una liberación real y espiritual. "Try Again" es una canción de amor que narra las complejidades de la vida y la lucha por sobreponerse y estar por encima de las circunstancias sin escapar de ellas. Sí, trata de una experiencia de aborto, pero también podría ser una pareja luchando por su relación, una familia tratando de unirse, cualquier expresión de amor filial, cualquier complicación de amor erótico, cualquier forma de relación con un ser trascendental. Todos los tipos de amor estan expresados en estas tres canciones y cada canción se une perfectamente con la otra en contenido y en sentimiento. En un recorrido tan corto la capacidad de Miranda Dodson para comunicar el mensaje es absolutamente impecable.

Tracklist:

1. Love Is
2. Real
3. Try Again

Rate: 8,5/10

Kev - Ashford E.P. (2013)

Kevin Erskin es un músico multi instrumentalista y estudiante de Berklee, radicado en Boston, originario de Rancho Bernardo, California. La colección de canciones acústicas que recolecta en este EP son un tributo a la calle donde creció y a la casa de sus padres. Enfrentarse a la complejidad de alejarse de tu santuario personal, enfrentarte al mundo, sentirse alienado, cambiar y enfrentarse a la adultez.

Todos los temas manejados en Ashford son las angustias y preocupaciones de cualquier adolescente de 19 años, la edad de Erskin, pero lo que hace que resalte su música es la ejecución y el mérito detrás de esa ejecución. "Far Away" es la primera canción, mezcla percusión y sonidos de pasos con la guitarra imnótica de Erskin repitiendo un arpegio. Mezcla la letra hablando en primera y segunda persona como si fuese una conversación con él mismo; de forma literal se cuestiona la distancia que pone entre él y su santuario. Los detalles de la instrumentación incorporan un set de cuerdas, un banjo y una segunda guitarra, y el énfasis y dramatismo que da la percusión alejándose y regresando con fuerza hace de esta canción la más fuerte del EP.

La segunda canción, "Birdcage Chest", le quita muchísima fuerza al estado de ánimo que introduce "Far Away", a pesar de que el contenido lírico tiene el mismo sentimiento escapista. Esta vez no de Ashford sino de un estado de ánimo, al cual Erskine contesta con un cambio sutil de volumen en la voz "I'm not going back", este momento en la canción incorpora un banjo y voces en el background ejecutadas por él mismo. Los arreglos podrían compararse en momentos a arreglos más simples pero con un firme aire de Sufjan Stevens. Juega con ausensia de instrumentación para centrar al que escucha en el claustro auto impuesto del personaje que crea, replica dulcemente "Still locked inside your birdcage chest". La canción quizá habría terminado en ese momento y habría sido perfecta, pero la alarga innecesariamente sin que la canción evolucione en contenido o instrumentación. Sigue siendo una buena canción pero quizá innecesariamente larga.

El retrato de Ashford se completa con "You Owe Me", un notable tributo a una de sus principales influencias, Iron & Wine. Una balada un poco más suave pero que desde el principio llevó mi mente a "Sodom, South Georgia", no en letra, pero sí en ejecución; hasta que las cuerdas que acompañan al banjo desde el principio estallan, en ese momento Erskin va más allá de sus inspiradores y sobrepasa sus influencias, demuestra su potencial como artista con una voz propia.

El E.P. tiene la debilidad de parecer una referencia muy directa a aquellos artistas que inspiran a Kevin como artista, por eso "Far Away" termina siendo la más fuerte, porque de alguna manera es la que se sostiene como la más genuina y la más similar a algo que no se escucha con mucha frecuencia, más si se piensa en que se trata de un solo artista interpretando todos sus instrumentos con poca ayuda y que ese multi instrumentalista tiene 19 años. Y "You Owe Me" tiene el mérito de lograr expresar emociones en menos de 6 minutos, pinta un cuadro completo e incorpora cambios de ritmo e instrumentación.

Ahora bien, el sentimiento escapista de Erskin va más allá del reposicionamiento geográfico de California a Boston, también va más allá de la voz tímida que no se atreve a explotar, o más allá de la timidez con la que aveces organiza sus arreglos. El escapismo está presente incluso en la idea de no querer dar su nombre a un proyecto que por sí solo es personal. Kev es el nombre que se da en el proyecto, seguramente porque en cierta forma el diminutivo se lo da su familia o sus amigos, pero más allá de que Kev sea un nombre quizá íntimo, hace más difícil que uno se conecte con Kevin Erskin el artista. Kev pareciera más el nombre que se da un rapero para rimar de forma más fácil que un artista folk que se embarca en presentar una historia personal.

Tracklist:

1. Far Away
2. Birdcage Chest
3. You Owe Me

Rate: 6/10

Rhye - Woman (2013)

Para el momento que salió Rhye las comparaciones comenzaron a surgir, entre las más mencionadas estaba The XX y Sade. De la banda no se conocía casi nada, sólo el hecho de que la excelente mujer que cantaba tenía una voz de sirena y era absolutamente atrayente. Para mi sorpresa, se trataba de un artista que no escuchaba desde el 2008 cuando me hice severamente adicto de su canción "You Make Me Feel", Milosh. Por supuesto para ese entonces su voz no sonaba femenina y la producción musical era mucho más etérea.

Rhye comienza por la iniciativa de Milosh para crear un proyecto nuevo; presentó su material al productor danés Robin Hannibal para que hiciera algún cambio y el proyecto se convirtió en un duo. La primera canción que filtraron fue "Open", una balada sensual, febricitante, sexy sin llegar a ser sexual, acompañada de un vídeo que mostraba distintas parejas teniendo relaciones sexuales pero planteado de forma erótica más que romántica sin perderse en la complejidad del sexo. En seguida vino a mi mente la influencia del sonido de Sade y me sentí atraído por la canción, la cual estuvo en mi lista del 2012 incluyendo el vídeo.

"Open" es la canción que abre el álbum "Woman", seguida del segundo single y también fantástica canción sacada en el último trimestre de 2012 "The Fall". La segunda canción ya no cuenta con el factor sorprendente de descubrir la banda, pero sí muestra la versatilidad que pueden llegar a tener para expresar emociones. Comienza con un piano que se mantiene durante toda la canción y se van incorporando intrumentos hasta que Milosh entra en modo fade-in diciendo "Make love to me" y el coro acompañado de cuerdas que acompañan el tono de voz "Don't run away, don't slip away my dear". Esta canción tiene mucha más instrumentación y más rango que "Open", es también un poco más funk pero igual de romántica, simplemente con un poco más de músculo.

El peligro del álbum, o quizá su debilidad es que "Open" y "The Fall" son las dos canciones más fuertes del álbum. La tercera canción "Last Dance" es funk y tropical, con un beat similar al de Poolside en su canción "Slow Down" con mejor voz y samples de instrumentos de viento.

"Sheed Some Blood" es quizá la que más me hace recordar a Sade, tiene un bajo y una guitarra muy similar al éxito de 1988 "Nothing Can Come Between Us" aunque la instrumentación es menos aventurera que la de Sade y la voz sí tiende a masculinizarse con las demás canciones de la banda.

Un ejemplo de la diversidad musical de la banda es "3 Days", un loop de sintetizador rodea sonidos de instrumentos de viento y un bajo funky, y a pesar de que la intención sexy del álbum se sigue manteniendo el hecho de contar con sintetizadores que se va transformando en otros instrumentos y pasa por varias transformaciones muestra la capacidad de composición más allá de la interpretación que mantiene la cohesión del sonido.

"One Of Those Summer Days" es el momento más romántico del álbum, cuando los sonidos se han centrado tanto en crear un ánimo de previo al sexo una canción romántica representa un cambio de humor muy violento. La canción es la que más se carga de instrumentación, cuenta con un arpegio de guitarra que se ahoga en distintos momentos, pero a ésar del esfuerzo, la canción es la que quiebra con el mood del resto del álbum.

Otro momento que escapa al mood, pero no por un alargamiento romántico aburrido sino por una actitud juguetona, fue la canción "Hunger", la más divertida del álbum, pegajosa, ochentosa y refrescante. A pesar de no tener esa actitud compleja y sexy del resto del álbum, a pesar de ser más descomplicada, representa un momento refrescante, cosa positiva ya que ninguna otra canción supera el sentimiento alcanzado por los dos singles y tomar otra dirección aunque sea en una canción representa un escape interesante al hecho de que ninguna canción es mejor.

El álbum se mantiene sensual sin llegar a la lujuria, sexual sin llegar a la pornografía, la ejecución es impecable, los estados de ánimo perfectamente definidos, la voz de Milosh enigmática y atractiva; el único problema es que ninguna canción supera a "Open" y a "The Fall", el show estaba completamente terminado desde antes de que saliera el álbum y no sorprendieron con nada mejor. A diferencia de otro álbum que intentaba buscar un sonido sensual con raíces en los setentas y ochentas como lo fue "Kaputt" de Destroyer, pero, a diferencia de "Woman" de Rhye, Destroye logró hacer de cada canción una obra maestra donde cada canción era superada únicamente por el sentido que tenía escuchar el álbum como conjunto.

 

Tracklist:

1. Open
2. The Fall
3. Last Dance
4. Verse
5. Shed Some Blood
6. 3 Days
7. One of Those Summer Days
8. Major Minor Love
9. Hunger
10. Woman

Rate: 8/10

Youth Lagoon - Wondrous Bughouse (2013)

En el espacio que existe entre MGMT y Animal Collective encontramos el segundo álbum de Trevor Powers A.K.A. Youth Lagoon; éstas dos comparaciones son una aventura sonora impresionante que ninguna persona que clama algo hermoso y diferente puede perderse. Hablar de los inicios de Trevor es hablar apenas del 2011 cuando debutó con "The Year Of Hibernation", para entonces Trevor era un joven de 21 años realizando un disco vulnerable, extremadamente Lo-Fi, escondido entre eco y producción sucia, y música calmada y melancólica que hablaba de escape y recopilaba sentimientos de no pertenencia, descanso, huída; encajaba perfecto con el super difundido género chillwave y el ejército de artistas que sacaban álbums grabados en sus casas con resultados maravillosos. Tomó la atención de todos los blogs independientes y algunas publicaciones mayores y el resultado fue aclamación instantánea.

Hoy no ha pasado mucho tiempo, sigue siendo un artista joven con sólo 23 años y madurez quizá no es el calificativo que se le pudiese dar al sonido de Youth Lagoon, más bien, el sonido se ha transformado. La transformación del proyecto coloca a Trevor ya no entre los artistas con un pequeño disco realizado en una casa, sino un proyecto producido por Ben H. Allen; quien ha trabajando para artistas como Animal Collective, Cee-Lo Green, Deerhunter y Delphic. Esto explica la evolución del sonido, pero de manera lírica, el contenido de cada canción ya no está enclaustrado ni tiene el sentimiento escapista que se percibía en "The Year Of Hibernation".

Desde el momento que comienza "Wondrous Bughouse" se anuncia la diferencia, pues, luego de pasar el intro, "Mute", la primera canción del álbum estalla con baterías y un sonido bastante grueso que en su álbum anterior jamás habría sido posible. En "The Year Of Hibernation" cada canción comenzaba callada y con el tiempo iba robusteciendo su sonido, el caso de "July", hermosa pero calmada y paciente. "Mute" desde el inicio explica el sonido a través de la primera línea de la canción, "Living in a 3D world", el sonido estalla mucho más tridimensional y complejo.

"Attic Doctor", "Pelican Man" y "Sleep Paralisis" son los momentos que me hacen recordar a MGMT si trabajaran con una línea de producción un poco menos limpia. Son canciones con samples de cajas de música, pianos y mucho juego de eco y sonidos espaciales acompañados de guitarras ligeramente desafinadas con sonido trémolo. Si bien el sonido sigue apostando hacia el dream-pop, en muchas ocasiones, el discurso comunica un viaje psicodélico.

La primera canción que llegó a conocerse del álbum due "Dropla", aunque no era tan instantáneamente diferente al material anterior como "Mute", lo interesante de "Dropla" es la claridad de la letra sin perder lo nebuloso de la instrumentación.  Las imágenes son muchísimo más abstractas y espirituales "You're playing a song, one that's for me / While my physical body is turning in my grave" antes del coro repetido de "You'll never die", sin duda un cambio de composición que acompañado de la claridad en la producción alcanza un nivel al que no llegaría con la timidez de su álbum anterior.

"Raspberry Cane" es otra canción que sin duda resalta en su complejidad y por comenzar con amplitud sonora que lanza a un estado mental concreto, sin sugerir nada con música que suavemente te lleva a un lugar. Estas canciones están destinadas a lanzarte al mood de Powers de forma instantánea.

El efecto logrado por Youth Lagoon en esta entrega es un experimento sonoro disímil al hecho por Tame Impala en "Lonerism" y un Dream-Pop trascendental que se aleja del susurro de "MBV" hecho por My Bloody Valentine.

 

En éste álbum la fragilidad y vulnerabilidad siguen ahí pero potenciadas por millones de detalles que se aprecian cuando se sube el volumen con audífonos. Escuchaba el álbum mientras caminaba por la ciudad de la misma manera que hice con el anterior y la diferencia es que antes tenía que detenerme, huír y escuchar; esta vez  la música me invita a ver el mundo a apreciar mi alrededor. El disco anterior logra ese efecto invernadero, mientras que "Wondrous Bughouse" es una experiencia totalmente diferente, más que introspectiva: contemplativa.

Tracklist:

1. Through Mind and Back
2. Mute
3. Attic Doctor
4. The Bath
5. Pelican Man
6. Dropla
7. Sleep Paralysis
8. Third Dystopia
9. Raspberry Cane
10. Daisyphobia

Rate: 9/10

Autre Ne Veut - Anxiety (2013)

En 2010 Autre Ne Veut y How To Dress Well fueron, de forma profética, dos muestras de la nueva dirección que podría tomar el R&B. Autre Ne Veut se conservó como un proyecto mucho más privado y How To Dress Well despegó haciendo covers y colaboraciones. Cuando "Total Loss" de How To Dress Well salió en el 2012, a pesar de que contaba con algunas de las mejores canciones del año en el género, al álbum le faltó fuerza; esto en parte porque la voz de Tom Krell carece de la potencia que Arthur Ashin le imprime a Autre Ne Veut.

Como proyecto musical, Pitchfork refirió al sonido de Autre Ne Veut como una mezcla entre D'Angelo y Avey Tare; y de hecho explora dos espectros distintos de sonidos que no combinan. Por un lado puede sonar extremadamente experimental y por el otro tener talento para digerir la aventura sonora y serle fiel al género que hace sin exagerar.

De todas maneras, mucho ha cambiado desde el 2010, especialmente para el R&B; el surgimiento de artistas como Miguel y The Weeknd ampliaron el espectro e hicieron que toda la persuación indie tomara interés. Lo interesante de Autre Ne Veut es que, a diferencia de los demás dentro del género, se atreve a producir los sonidos clásicos con algo más de vanguardia; la experiencia sonora sería una mezcla entre Prince (The Artist) y Ford & Lopatin.

"Anxiety" pone de manifiesto no sólo el talento de Ashin como cantante, quien antes se ahogaba en lo nublado de la producción, sino que también muestra cómo es capaz de manejar mejor el sonido de forma más clara; la música es más amplia, con más cambios y mejora su habilidad para que el que escucha tenga mayor apreciación de detalles.

Las referencias hechas anteriormente se entienden con claridad al momento de comenzar La primera canción del álbum (que además es un single) "Play by Play". Sonidos espaciales, keyboard ochentoso y voz de R&B, el momento Prince y Ford & Lopatin en su máxima gloria. Una letra que mezcla la necesidad de compañía con instrumentación sexy, el ritmo cambia varias veces y luego se acompaña de un coro al estilo gospel "Don't ever leave me alone, play by play, play by play", intervenido por sonidos espaciales similares a los que usa M83 en su último álbum y keyboard sacado de los ochentas. Un perfecto comienzo que muestra la evolución del artista y su nuevo rango.

La segunda canción "Counting" tuvo una versión previa y fue revelada el año pasado junto al controversial rapero drag Mykki Blanco; la versión del álbum tiene un sentimiento completamente diferente a "Play by Play" y a su versión anterior, sigue jugando con la idea de abandono pero explorando una ausencia más permanente, la muerte, un tema recurrente en muchos artistas de R&B (otra similitud con el proyecto de su contemporáneo How To Dress Well). Los arreglos de esta canción tienen además intervensiones momentáneas de saxofón sobre la melodía espacial.

La tercera canción, "Promises", muestra un poco sus referencias anteriores en cuanto a instrumentación, un pop ritualista y repetitivo con variaciones mínimas pero efectivas. La monotonía del ritmo se interrumpe con subidas y bajadas de volumen, así como con intervenciones esporádicas de frecuencia entre agudos y bajos.

"Ego Free Sex Free" mezcla instrumentación Lo-Fi con samples de voces y tiene diversos cambios acercándose a progresiones básicas de Synth-Pop cuando se aproxima al coro; la canción se torna más espacial y electrónica al momento de decir "Ego free, sex free, I can't see your body baby", como si la instrumentación llevara a la anulación de la situación sexual, nirvana, orgasmo de uno y no de dos por separado, una visión más esencial que circunstancial de la circunstancia sexual.

Aunque en el álbum existen referencias sonoras a distintas influencias, la canción "I Wanna Dance With Somebody" no hace guiña de forma directa a la canción de Whitney Houstoncon con el mismo título; a pesar de esto,  la canción captura el mismo sentimiento de Whitney con una producción mucho más compleja y menos pegajosa. De todas maneras "I Wanna Dance With Somebody" sin contar con una cualidad icónica pop tiene versos espaciales y un coro muy pegajoso invitando a moverse "Stand up baby / You never do it with me" mientras juega con la rapidez de la canción y sintetizadores.

El álbum también cuenta con momentos más calmados, "A Lie" y "Gonna Die", muestra la vulnerabilidad del sonido repitiendo los temas en las letras pero cambiando la concentración a un ánimo más introspectivo. "World War" es otra balada con ritmos espaciales y sonidos en que en momentos podrían caer casi en drone hasta cambiar completamente y huir hacia adelante cuando se pasa la mitad de la canción, entre las baladas "World War" se alza como una de las canciones más fuertes del álbum.

Lo interesante de un álbum como "Anxiety" es que captura el sentimiento de ansiedad en sus temas y la ejecución hace que, incluso en los momentos en que una balada se acerca peligrosamente a aburrir el sentido del disco, se mantenga la continuidad. Ninguna canción sobra en el álbum y a pesar de que algunas se alzan con mucha mayor claridad que otras, el caso de "Play by Play", "Counting", "Ego Free Sex Free",  "World War" y "A Lie", cada una se sostiene como una canción excepcional, y juntas crean la obra "Anxiety", el mensaje es claro y todo está en su lugar correcto.

El álbum Anxiety es la revelación de Ashin como artista, ya no escondido tras su proyecto musical, una mirada a sus inseguridades y sus sentimientos de abandono, desolación y exploración sonora del sexo, la música de hecho puede ser bastante sexual pero presentada de una forma natural y real, no cae en pornografía sonora de irrealidad pop. Hay realidad, hay dramatismo, hay abandono, hay inseguridad, todo por sí solo y todo mezclado con las vicisitudes del sexo sentido.

Tracklist:

1. Play by Play
2. Counting
3. Promises
4. Ego Free Sex Free
5. A Lie
6. Warning
7. Gonna Die
8. Don't Ever Look Back
9. I Wanna Dance With Somebody
10. World War

Rate: 8,5/10