David Bowie - The Next Day (2013)

El 2013 ha sido un año de artistas influyentes y "leyendas" volviendo a la palestra. Si bien cada año tiene sus artistas clásicos haciendo un regreso; en ocasiones se trata de dinosaurios haciendo música nostálgica sobre su propia influencia rancia. Pocos son los que se salvan de la edad influyendo en sus inspiraciones, pocos todos los que siguen sonando actuales, los artistas que en 2013 están regresando son los que mantienen en alto la estatua de la influencia. My Bloody Valentine y su relación con Patti Smith quien también sacó un álbum el año pasado podría ser un ejemplo y David Bowie con el resto del espectro musical: Laurie Anderson, Lou Reed, Placebo, Marilyn Manson, The Cure, Nirvana, Smashing Pumpkins, Culture Club, y muchos más grandemente influenciados por el británico. David Bowie es quizá el artista más influyente que vive, pues una cosa es tener artistas con fama icónicos como Michael Jackson pero cuya influencia fue más llevada por ellos mismos y su música es irrepetible; el caso de Bowie es el opuesto, todo suena a él y su música está en todos lados.

"The Next Day" es el primer álbum de Bowie que recoge todas esas influencias. Si bien Bowie perdió su camino en los ochentas y noventas tratando de encontrar una voz que lo mantuviera en la vanguardia, y si además se convirtió en un artista que seguía tendencias en vez de imponerlas, todo fue de manera no comprometida. Hoy Bowie tiene 66 años, ya no puede ser tan provocativo, ya no causa fantasías sexuales jugando en la frontera de lo masculino y lo femenino, ahora necesita una forma diferente de provocar.

El juego de la provocación de "The Next Day" comienza con una foto portada que hace referencia a "Heroes", uno de sus mayores éxitos, escondido detrás de un cuadro blanco, no hay cara, no hay máscara, pero tampoco hay inteligibilidad de un Bowie verdadero. "The Next Day" intenta partir de las referencias clásicas de Bowie y a la vez separarse de ellas. La primera canción que escuché de Bowie fue "Rock 'N' Roll Suicide" de 1972, recuerdo que lo que más me impactó de la canción fue el grito preocupado de Bowie diciéndole a todo aquel que se sentía alienado "Oh! No Love! You're not alone!", un grito de vida, de esperanza, por canciones como esa Bowie se había convertido en la voz de otro chico "queer" y ya el mundo no estaba en los 70's. El hecho de que canciones de los sesentas y setentas de Bowie siguieran siendo relevantes en los noventas no era algo impresionante, no se trataba de que una canción fuese un clásico, iba más allá de escuchar The Beatles o Pink Floyd y que fuese música buena, más allá de la música, lo que trascendía de Bowie era el mensaje, rescatar en la juventud alienada de todos los tiempos que está bien ser un poco raro, que las diferencias te hacen particular y que en medio de la soledad a la que te lanzan tus rarezas "You're not alone!".

Así Bowie se convirtió en la voz de todas las generaciones con esfuerzos que hizo en los setentas. ¿30 años después qué ha pasado? Más allá de las reinvenciones Bowie envejeció con gracia, dejó sus experimentos sonoros en los que se aventuró desde los ochentas y volvió a hacer un álbum de Rock con su productor clásico, Tony Visconti.

La primera canción que se escuchó del álbum fue una balada, "Where Are We Now?"; la canción comienza con un Bowie reafirmando su presencia con mucha sencillez, haciendo referencia calmada quizá a su estatus de leyenda pero aceptando sin aceptarse como un dinosaurio del rock, "Just walking the dead", aquí se siente un cambio lírico a pesar de que Bowie continúa ahí, sigue siendo un Bowie que acompaña al mundo, pero se siente un poco más sombrío que hace 30 años, quizá retomando la oscuridad de "Heathen", haciendo referencia a su no eternidad "As long as there's me / As long as there's you", ¿se tratará de un Bowie aceptando el fin de su propia influencia? Si es así, igual es brillante por reconocer su ocaso con gracia.

La primera canción del álbum también hace esta referencia al ocaso, la diferencia con "Where Are We Know?" es que  "The Next Day" comienza con un Bowie afirmándose, "Here I am, not quite dead". La canción es enérgica, firme, alegre, pero con referencias oscuras que se esconden detrás de la música estimulante: "They can't get enough of that doomsday song", no dejo de darle un todo crítico al culto a la depresión presente en la música actualmente y Bowie en parte entendiendo, más allá de moralizar, reafirmando su presencia en esa escena.

El segundo single del álbum "The Stars (Are Out Tonight)" también tiene esa referencia a la vida moderna, además no hace más que volver a las antiguas inspiraciones cósmicas de su música. Escuchando la canción por primera vez pensé que sonaba a Dire Straits, pero también recuerdo escuchar Dire Straits y pensar que sonaba a Bowie; en esta canción Bowie vuelve a ser original, vuelve a ser fiel a él mismo, vuelve a su idea de marcar tendencias más allá de seguirlas. Esto se siente en más canciones del álbum, "Dancing Out In Space" mezcla baterías de los ochentas con guitarras de los noventas y coros de los setenta, suena a todas sus épocas, "let us sail back home tonight" canta, no es más que un Bowie volviendo a sus propias influencias.

Lo curioso de las influencias en este álbum es que da una sensación de Inception, así como la famosa película trataba de un sueño dentro de otro y dentro de otro, "The Next Day" es su propia influencia dentro de su influencia y dentro de su influencia. "I'd Rather Be High" tiene una guitarra con uno de los hooks más pegajosos que por sólo escucharlo suena a algo clásico, una vez más haciendo referencia a la muerte "I'd rather be dead or out of my head", un Bowie escapista pero completamente confiado de que no lo hace con madurez sino con la intención profundamente seductora que ha conservado a lo largo de su carrera. Presencia-Ausencia, dos sensaciones que causan la angustia del juego con el deseo.

El ritual del cortejo vuelve también con "Boss Of Me", referencias a bajos funk e instrumentos de viento, estos momentos no sólo marcan sus mejores canciones en la historia, recuerdan la genialidad de Bowie en hacer melodías envolventes pero claramente inteligibles, la separación de toda la tendencia posterior del rock que se centraba más en ser envolvente por ambientación musical y no por contenido. "Dirty Boys" también repite esta ilusión dentro de la instrumentación, guitarras, saxofón. "Dirty Boys" tiene un aire cabaret o un aire bar al estilo Tom Waits, sin dejar de sonar británico y haciendo cambios en el coro que lo hacen sonar al estilo que seguía en el álbum de "Heroes", el momento memorable es el solo de saxofón en la canción al final, pudo haber durado 10 minutos más sin dejar de ser interesante.

Sin necesidad de hacer un largo paseo canción por canción éste álbum es uno de los que cualquiera que quiera saber de Bowie debe tener. Ahora bien, Bowie tratando de dejarse influenciar por él mismo hace que el álbum suene al viejo Bowie con una vitalidad renovada, este es un logro en sí mismo, claro, no logra ningún momento memorable que sea tan aventurero o tan genial como los antiguos, igual sigue siendo su primer disco en 10 años y volvió a lograr éxito de ventas, llegando a número 1 en iTunes y todas las listas importantes desde 1993, otra azaña para un artista que se creía retirado, regresando con vitalidad y demostrando su bien ganado puesto en la historia de la música.

Hoy en día Bowie demuestra que su influencia es sobrehumana, es como si los extraterrestres lo hubiesen mandado para amoldar la música por un buen camino; en Bowie la aceptación, la rareza, la tolerancia, el salto entre géneros, las reinvenciones, todo ha sido posible. Sin Bowie en la historia nada de lo que hoy es libre artísticamente hubiese podido ser.

 

 

Tracklist:

1. The Next Day
2. Dirty Boys
3. The Stars (Are Out Tonight)
4. Love Is Lost
5. Where Are We Now?
6. Valentine's Day
7. If You Can See Me
8. I'd Rather Be High
9. Boss of Me
10. Dancing Out In Space
11. How Does the Grass Grow?
12. (You Will) Set the World On Fire
13. You Feel So Lonely You Could Die
14. Heat

Rate: 8,5/10

Miranda Dodson - Love Is Real Try Again E.P. (2013)

Miranda Dodson es una cantautora originaria de Austin, Texas. Viniendo de una de las ciudades más musicales del mundo, y donde la influencia Country y Folk son ineludibles, Miranda Dodson sorprende con este impecable E.P. de tres canciones. Love Is Real Try Again juega con la semántica que evocan los títulos de las tres canciones, la idea de que el amor persevera, la idea de que el amor siempre puede, la idea de intentarlo de nuevo cuando todo sale mal.

"Love Is" es la primera canción del álbum, un country upbeat, casi rayando en pop, hooks pegajosos, aplausos en el fondo del ritmo. Toda esa alegría y aplausos que invitan a brincar a la canción causa el equivalente country a una misa gospel, de hecho, la letra comienza haciendo referencias a la carta a los corintios 1 Corintios 13, por lo general un fragmento que se lee en bodas y eventos que celebran el amor. En cierto contexto comenzar con una canción que tenga una clara referencia religiosa tiene sentido, un E.P. que trata de comunicar confianza en el poder del amor con fe ciega tiene casi la misma referencia a la confianza en Dios de que las cosas saldrán bien.

En la música country, y más en el sur, las referencias a Dios se hacen con mucha frecuencia, disfrazadas de pop, con instrumentación atractiva, con ejecución impecable, pero en muchas ocasiones fallan en comunicar ese mensaje de esperanza, el "sugarcode" que pretende pasar un mensaje religioso de forma inofensiva por lo general reduce el alcance del mensaje pues un mensaje de fe sólo lo entienden los que la tienen. Supongo que tanto para el amor como para Dios lograr que la gente crea ciegamente se hace difícil.

Esa felicidad retratada en la creencia del amor de "Love Is" rápidamente es confrontada con la realidad. "Real" es una canción poderosa, ruda, confronta el idealismo del amor y lo obliga a echar un cable a tierra, a pesar de la dureza que comienza a comunicar la canción extiende todavía esperanza: "Then you will know that this is love and that it heals". El enfrentamiento  de las dos visiones de ideal y realidad sólo tienen sentido en una circunstancia, dos conceptos sueltos encuentran su máxima expresión en la última canción "Try Again".

"Try Again" es una canción absolutamente desgarradora que cualquiera que la oiga podría relacionarla con cualquier gran decepción, tribulación, duda. La realidad detrás de la canción está en una experiencia de Miranda Dodson intentando tener un hijo con su esposo y pasando por la experiencia de un aborto. La cantautora narra el sentido de vergüenza, de fracaso, de que hay algo mal dentro de ella, de derrota. Narra un día de tristeza que para una mujer está lleno de emociones incomesurables. La canción narra con extrema crudeza la experiencia, la música y la voz imprimen una tristeza que desemboca en un sano derramamiento de lágrimas y un final que hace que las otras dos canciones anteriores tengan sentido "This is for love, this is for love, that we try, that we pray".

"Try Again" confronta la idea de continuar la vida después de una pérdida, y luego enfrenta la idea de sanar y volver a intentar, es una canción de liberación de una experiencia traumática, una liberación real y espiritual. "Try Again" es una canción de amor que narra las complejidades de la vida y la lucha por sobreponerse y estar por encima de las circunstancias sin escapar de ellas. Sí, trata de una experiencia de aborto, pero también podría ser una pareja luchando por su relación, una familia tratando de unirse, cualquier expresión de amor filial, cualquier complicación de amor erótico, cualquier forma de relación con un ser trascendental. Todos los tipos de amor estan expresados en estas tres canciones y cada canción se une perfectamente con la otra en contenido y en sentimiento. En un recorrido tan corto la capacidad de Miranda Dodson para comunicar el mensaje es absolutamente impecable.

Tracklist:

1. Love Is
2. Real
3. Try Again

Rate: 8,5/10

Kev - Ashford E.P. (2013)

Kevin Erskin es un músico multi instrumentalista y estudiante de Berklee, radicado en Boston, originario de Rancho Bernardo, California. La colección de canciones acústicas que recolecta en este EP son un tributo a la calle donde creció y a la casa de sus padres. Enfrentarse a la complejidad de alejarse de tu santuario personal, enfrentarte al mundo, sentirse alienado, cambiar y enfrentarse a la adultez.

Todos los temas manejados en Ashford son las angustias y preocupaciones de cualquier adolescente de 19 años, la edad de Erskin, pero lo que hace que resalte su música es la ejecución y el mérito detrás de esa ejecución. "Far Away" es la primera canción, mezcla percusión y sonidos de pasos con la guitarra imnótica de Erskin repitiendo un arpegio. Mezcla la letra hablando en primera y segunda persona como si fuese una conversación con él mismo; de forma literal se cuestiona la distancia que pone entre él y su santuario. Los detalles de la instrumentación incorporan un set de cuerdas, un banjo y una segunda guitarra, y el énfasis y dramatismo que da la percusión alejándose y regresando con fuerza hace de esta canción la más fuerte del EP.

La segunda canción, "Birdcage Chest", le quita muchísima fuerza al estado de ánimo que introduce "Far Away", a pesar de que el contenido lírico tiene el mismo sentimiento escapista. Esta vez no de Ashford sino de un estado de ánimo, al cual Erskine contesta con un cambio sutil de volumen en la voz "I'm not going back", este momento en la canción incorpora un banjo y voces en el background ejecutadas por él mismo. Los arreglos podrían compararse en momentos a arreglos más simples pero con un firme aire de Sufjan Stevens. Juega con ausensia de instrumentación para centrar al que escucha en el claustro auto impuesto del personaje que crea, replica dulcemente "Still locked inside your birdcage chest". La canción quizá habría terminado en ese momento y habría sido perfecta, pero la alarga innecesariamente sin que la canción evolucione en contenido o instrumentación. Sigue siendo una buena canción pero quizá innecesariamente larga.

El retrato de Ashford se completa con "You Owe Me", un notable tributo a una de sus principales influencias, Iron & Wine. Una balada un poco más suave pero que desde el principio llevó mi mente a "Sodom, South Georgia", no en letra, pero sí en ejecución; hasta que las cuerdas que acompañan al banjo desde el principio estallan, en ese momento Erskin va más allá de sus inspiradores y sobrepasa sus influencias, demuestra su potencial como artista con una voz propia.

El E.P. tiene la debilidad de parecer una referencia muy directa a aquellos artistas que inspiran a Kevin como artista, por eso "Far Away" termina siendo la más fuerte, porque de alguna manera es la que se sostiene como la más genuina y la más similar a algo que no se escucha con mucha frecuencia, más si se piensa en que se trata de un solo artista interpretando todos sus instrumentos con poca ayuda y que ese multi instrumentalista tiene 19 años. Y "You Owe Me" tiene el mérito de lograr expresar emociones en menos de 6 minutos, pinta un cuadro completo e incorpora cambios de ritmo e instrumentación.

Ahora bien, el sentimiento escapista de Erskin va más allá del reposicionamiento geográfico de California a Boston, también va más allá de la voz tímida que no se atreve a explotar, o más allá de la timidez con la que aveces organiza sus arreglos. El escapismo está presente incluso en la idea de no querer dar su nombre a un proyecto que por sí solo es personal. Kev es el nombre que se da en el proyecto, seguramente porque en cierta forma el diminutivo se lo da su familia o sus amigos, pero más allá de que Kev sea un nombre quizá íntimo, hace más difícil que uno se conecte con Kevin Erskin el artista. Kev pareciera más el nombre que se da un rapero para rimar de forma más fácil que un artista folk que se embarca en presentar una historia personal.

Tracklist:

1. Far Away
2. Birdcage Chest
3. You Owe Me

Rate: 6/10

Rhye - Woman (2013)

Para el momento que salió Rhye las comparaciones comenzaron a surgir, entre las más mencionadas estaba The XX y Sade. De la banda no se conocía casi nada, sólo el hecho de que la excelente mujer que cantaba tenía una voz de sirena y era absolutamente atrayente. Para mi sorpresa, se trataba de un artista que no escuchaba desde el 2008 cuando me hice severamente adicto de su canción "You Make Me Feel", Milosh. Por supuesto para ese entonces su voz no sonaba femenina y la producción musical era mucho más etérea.

Rhye comienza por la iniciativa de Milosh para crear un proyecto nuevo; presentó su material al productor danés Robin Hannibal para que hiciera algún cambio y el proyecto se convirtió en un duo. La primera canción que filtraron fue "Open", una balada sensual, febricitante, sexy sin llegar a ser sexual, acompañada de un vídeo que mostraba distintas parejas teniendo relaciones sexuales pero planteado de forma erótica más que romántica sin perderse en la complejidad del sexo. En seguida vino a mi mente la influencia del sonido de Sade y me sentí atraído por la canción, la cual estuvo en mi lista del 2012 incluyendo el vídeo.

"Open" es la canción que abre el álbum "Woman", seguida del segundo single y también fantástica canción sacada en el último trimestre de 2012 "The Fall". La segunda canción ya no cuenta con el factor sorprendente de descubrir la banda, pero sí muestra la versatilidad que pueden llegar a tener para expresar emociones. Comienza con un piano que se mantiene durante toda la canción y se van incorporando intrumentos hasta que Milosh entra en modo fade-in diciendo "Make love to me" y el coro acompañado de cuerdas que acompañan el tono de voz "Don't run away, don't slip away my dear". Esta canción tiene mucha más instrumentación y más rango que "Open", es también un poco más funk pero igual de romántica, simplemente con un poco más de músculo.

El peligro del álbum, o quizá su debilidad es que "Open" y "The Fall" son las dos canciones más fuertes del álbum. La tercera canción "Last Dance" es funk y tropical, con un beat similar al de Poolside en su canción "Slow Down" con mejor voz y samples de instrumentos de viento.

"Sheed Some Blood" es quizá la que más me hace recordar a Sade, tiene un bajo y una guitarra muy similar al éxito de 1988 "Nothing Can Come Between Us" aunque la instrumentación es menos aventurera que la de Sade y la voz sí tiende a masculinizarse con las demás canciones de la banda.

Un ejemplo de la diversidad musical de la banda es "3 Days", un loop de sintetizador rodea sonidos de instrumentos de viento y un bajo funky, y a pesar de que la intención sexy del álbum se sigue manteniendo el hecho de contar con sintetizadores que se va transformando en otros instrumentos y pasa por varias transformaciones muestra la capacidad de composición más allá de la interpretación que mantiene la cohesión del sonido.

"One Of Those Summer Days" es el momento más romántico del álbum, cuando los sonidos se han centrado tanto en crear un ánimo de previo al sexo una canción romántica representa un cambio de humor muy violento. La canción es la que más se carga de instrumentación, cuenta con un arpegio de guitarra que se ahoga en distintos momentos, pero a ésar del esfuerzo, la canción es la que quiebra con el mood del resto del álbum.

Otro momento que escapa al mood, pero no por un alargamiento romántico aburrido sino por una actitud juguetona, fue la canción "Hunger", la más divertida del álbum, pegajosa, ochentosa y refrescante. A pesar de no tener esa actitud compleja y sexy del resto del álbum, a pesar de ser más descomplicada, representa un momento refrescante, cosa positiva ya que ninguna otra canción supera el sentimiento alcanzado por los dos singles y tomar otra dirección aunque sea en una canción representa un escape interesante al hecho de que ninguna canción es mejor.

El álbum se mantiene sensual sin llegar a la lujuria, sexual sin llegar a la pornografía, la ejecución es impecable, los estados de ánimo perfectamente definidos, la voz de Milosh enigmática y atractiva; el único problema es que ninguna canción supera a "Open" y a "The Fall", el show estaba completamente terminado desde antes de que saliera el álbum y no sorprendieron con nada mejor. A diferencia de otro álbum que intentaba buscar un sonido sensual con raíces en los setentas y ochentas como lo fue "Kaputt" de Destroyer, pero, a diferencia de "Woman" de Rhye, Destroye logró hacer de cada canción una obra maestra donde cada canción era superada únicamente por el sentido que tenía escuchar el álbum como conjunto.

 

Tracklist:

1. Open
2. The Fall
3. Last Dance
4. Verse
5. Shed Some Blood
6. 3 Days
7. One of Those Summer Days
8. Major Minor Love
9. Hunger
10. Woman

Rate: 8/10

Youth Lagoon - Wondrous Bughouse (2013)

En el espacio que existe entre MGMT y Animal Collective encontramos el segundo álbum de Trevor Powers A.K.A. Youth Lagoon; éstas dos comparaciones son una aventura sonora impresionante que ninguna persona que clama algo hermoso y diferente puede perderse. Hablar de los inicios de Trevor es hablar apenas del 2011 cuando debutó con "The Year Of Hibernation", para entonces Trevor era un joven de 21 años realizando un disco vulnerable, extremadamente Lo-Fi, escondido entre eco y producción sucia, y música calmada y melancólica que hablaba de escape y recopilaba sentimientos de no pertenencia, descanso, huída; encajaba perfecto con el super difundido género chillwave y el ejército de artistas que sacaban álbums grabados en sus casas con resultados maravillosos. Tomó la atención de todos los blogs independientes y algunas publicaciones mayores y el resultado fue aclamación instantánea.

Hoy no ha pasado mucho tiempo, sigue siendo un artista joven con sólo 23 años y madurez quizá no es el calificativo que se le pudiese dar al sonido de Youth Lagoon, más bien, el sonido se ha transformado. La transformación del proyecto coloca a Trevor ya no entre los artistas con un pequeño disco realizado en una casa, sino un proyecto producido por Ben H. Allen; quien ha trabajando para artistas como Animal Collective, Cee-Lo Green, Deerhunter y Delphic. Esto explica la evolución del sonido, pero de manera lírica, el contenido de cada canción ya no está enclaustrado ni tiene el sentimiento escapista que se percibía en "The Year Of Hibernation".

Desde el momento que comienza "Wondrous Bughouse" se anuncia la diferencia, pues, luego de pasar el intro, "Mute", la primera canción del álbum estalla con baterías y un sonido bastante grueso que en su álbum anterior jamás habría sido posible. En "The Year Of Hibernation" cada canción comenzaba callada y con el tiempo iba robusteciendo su sonido, el caso de "July", hermosa pero calmada y paciente. "Mute" desde el inicio explica el sonido a través de la primera línea de la canción, "Living in a 3D world", el sonido estalla mucho más tridimensional y complejo.

"Attic Doctor", "Pelican Man" y "Sleep Paralisis" son los momentos que me hacen recordar a MGMT si trabajaran con una línea de producción un poco menos limpia. Son canciones con samples de cajas de música, pianos y mucho juego de eco y sonidos espaciales acompañados de guitarras ligeramente desafinadas con sonido trémolo. Si bien el sonido sigue apostando hacia el dream-pop, en muchas ocasiones, el discurso comunica un viaje psicodélico.

La primera canción que llegó a conocerse del álbum due "Dropla", aunque no era tan instantáneamente diferente al material anterior como "Mute", lo interesante de "Dropla" es la claridad de la letra sin perder lo nebuloso de la instrumentación.  Las imágenes son muchísimo más abstractas y espirituales "You're playing a song, one that's for me / While my physical body is turning in my grave" antes del coro repetido de "You'll never die", sin duda un cambio de composición que acompañado de la claridad en la producción alcanza un nivel al que no llegaría con la timidez de su álbum anterior.

"Raspberry Cane" es otra canción que sin duda resalta en su complejidad y por comenzar con amplitud sonora que lanza a un estado mental concreto, sin sugerir nada con música que suavemente te lleva a un lugar. Estas canciones están destinadas a lanzarte al mood de Powers de forma instantánea.

El efecto logrado por Youth Lagoon en esta entrega es un experimento sonoro disímil al hecho por Tame Impala en "Lonerism" y un Dream-Pop trascendental que se aleja del susurro de "MBV" hecho por My Bloody Valentine.

 

En éste álbum la fragilidad y vulnerabilidad siguen ahí pero potenciadas por millones de detalles que se aprecian cuando se sube el volumen con audífonos. Escuchaba el álbum mientras caminaba por la ciudad de la misma manera que hice con el anterior y la diferencia es que antes tenía que detenerme, huír y escuchar; esta vez  la música me invita a ver el mundo a apreciar mi alrededor. El disco anterior logra ese efecto invernadero, mientras que "Wondrous Bughouse" es una experiencia totalmente diferente, más que introspectiva: contemplativa.

Tracklist:

1. Through Mind and Back
2. Mute
3. Attic Doctor
4. The Bath
5. Pelican Man
6. Dropla
7. Sleep Paralysis
8. Third Dystopia
9. Raspberry Cane
10. Daisyphobia

Rate: 9/10

Autre Ne Veut - Anxiety (2013)

En 2010 Autre Ne Veut y How To Dress Well fueron, de forma profética, dos muestras de la nueva dirección que podría tomar el R&B. Autre Ne Veut se conservó como un proyecto mucho más privado y How To Dress Well despegó haciendo covers y colaboraciones. Cuando "Total Loss" de How To Dress Well salió en el 2012, a pesar de que contaba con algunas de las mejores canciones del año en el género, al álbum le faltó fuerza; esto en parte porque la voz de Tom Krell carece de la potencia que Arthur Ashin le imprime a Autre Ne Veut.

Como proyecto musical, Pitchfork refirió al sonido de Autre Ne Veut como una mezcla entre D'Angelo y Avey Tare; y de hecho explora dos espectros distintos de sonidos que no combinan. Por un lado puede sonar extremadamente experimental y por el otro tener talento para digerir la aventura sonora y serle fiel al género que hace sin exagerar.

De todas maneras, mucho ha cambiado desde el 2010, especialmente para el R&B; el surgimiento de artistas como Miguel y The Weeknd ampliaron el espectro e hicieron que toda la persuación indie tomara interés. Lo interesante de Autre Ne Veut es que, a diferencia de los demás dentro del género, se atreve a producir los sonidos clásicos con algo más de vanguardia; la experiencia sonora sería una mezcla entre Prince (The Artist) y Ford & Lopatin.

"Anxiety" pone de manifiesto no sólo el talento de Ashin como cantante, quien antes se ahogaba en lo nublado de la producción, sino que también muestra cómo es capaz de manejar mejor el sonido de forma más clara; la música es más amplia, con más cambios y mejora su habilidad para que el que escucha tenga mayor apreciación de detalles.

Las referencias hechas anteriormente se entienden con claridad al momento de comenzar La primera canción del álbum (que además es un single) "Play by Play". Sonidos espaciales, keyboard ochentoso y voz de R&B, el momento Prince y Ford & Lopatin en su máxima gloria. Una letra que mezcla la necesidad de compañía con instrumentación sexy, el ritmo cambia varias veces y luego se acompaña de un coro al estilo gospel "Don't ever leave me alone, play by play, play by play", intervenido por sonidos espaciales similares a los que usa M83 en su último álbum y keyboard sacado de los ochentas. Un perfecto comienzo que muestra la evolución del artista y su nuevo rango.

La segunda canción "Counting" tuvo una versión previa y fue revelada el año pasado junto al controversial rapero drag Mykki Blanco; la versión del álbum tiene un sentimiento completamente diferente a "Play by Play" y a su versión anterior, sigue jugando con la idea de abandono pero explorando una ausencia más permanente, la muerte, un tema recurrente en muchos artistas de R&B (otra similitud con el proyecto de su contemporáneo How To Dress Well). Los arreglos de esta canción tienen además intervensiones momentáneas de saxofón sobre la melodía espacial.

La tercera canción, "Promises", muestra un poco sus referencias anteriores en cuanto a instrumentación, un pop ritualista y repetitivo con variaciones mínimas pero efectivas. La monotonía del ritmo se interrumpe con subidas y bajadas de volumen, así como con intervenciones esporádicas de frecuencia entre agudos y bajos.

"Ego Free Sex Free" mezcla instrumentación Lo-Fi con samples de voces y tiene diversos cambios acercándose a progresiones básicas de Synth-Pop cuando se aproxima al coro; la canción se torna más espacial y electrónica al momento de decir "Ego free, sex free, I can't see your body baby", como si la instrumentación llevara a la anulación de la situación sexual, nirvana, orgasmo de uno y no de dos por separado, una visión más esencial que circunstancial de la circunstancia sexual.

Aunque en el álbum existen referencias sonoras a distintas influencias, la canción "I Wanna Dance With Somebody" no hace guiña de forma directa a la canción de Whitney Houstoncon con el mismo título; a pesar de esto,  la canción captura el mismo sentimiento de Whitney con una producción mucho más compleja y menos pegajosa. De todas maneras "I Wanna Dance With Somebody" sin contar con una cualidad icónica pop tiene versos espaciales y un coro muy pegajoso invitando a moverse "Stand up baby / You never do it with me" mientras juega con la rapidez de la canción y sintetizadores.

El álbum también cuenta con momentos más calmados, "A Lie" y "Gonna Die", muestra la vulnerabilidad del sonido repitiendo los temas en las letras pero cambiando la concentración a un ánimo más introspectivo. "World War" es otra balada con ritmos espaciales y sonidos en que en momentos podrían caer casi en drone hasta cambiar completamente y huir hacia adelante cuando se pasa la mitad de la canción, entre las baladas "World War" se alza como una de las canciones más fuertes del álbum.

Lo interesante de un álbum como "Anxiety" es que captura el sentimiento de ansiedad en sus temas y la ejecución hace que, incluso en los momentos en que una balada se acerca peligrosamente a aburrir el sentido del disco, se mantenga la continuidad. Ninguna canción sobra en el álbum y a pesar de que algunas se alzan con mucha mayor claridad que otras, el caso de "Play by Play", "Counting", "Ego Free Sex Free",  "World War" y "A Lie", cada una se sostiene como una canción excepcional, y juntas crean la obra "Anxiety", el mensaje es claro y todo está en su lugar correcto.

El álbum Anxiety es la revelación de Ashin como artista, ya no escondido tras su proyecto musical, una mirada a sus inseguridades y sus sentimientos de abandono, desolación y exploración sonora del sexo, la música de hecho puede ser bastante sexual pero presentada de una forma natural y real, no cae en pornografía sonora de irrealidad pop. Hay realidad, hay dramatismo, hay abandono, hay inseguridad, todo por sí solo y todo mezclado con las vicisitudes del sexo sentido.

Tracklist:

1. Play by Play
2. Counting
3. Promises
4. Ego Free Sex Free
5. A Lie
6. Warning
7. Gonna Die
8. Don't Ever Look Back
9. I Wanna Dance With Somebody
10. World War

Rate: 8,5/10

Atoms For Peace - AMOK (2013)

Para aquel que no sabe, Atoms For Peace es un proyecto solista del vocalista de Radiohead Thom Yorke y otros artistas de muchísimo renombre: Nigel Godrich, productor electrónico y colaborador legendario de Yorke; Mauro Refosco, quien colabora como baterista de un artista del calibre de David Byrne; Joey Waronker de quien se puede ver su nombre en colaboraciones como baterista con Elliot Smith, R.E.M. y Beck y finalmente Flea, el bajista de los Red Hot Chilly Peppers. Dicho esto, en consecuencia, Atoms For Peace no es una banda, es una súper banda.

Con el pasar del tiempo Radiohead se ha convertido en una banda de rock capaz de incorporar muchos más elementos electrónicos, aveces tanto que parecen trascender al género. Dicho esto, es curioso pensar qué tanto escape necesita Thom Yorke de Radiohead para crear una banda en la que pueda entregarse por completo a la experimentación electrónica, que pareció ser lo que intentó cuando creó "The Eraser" su primer disco solista. Escuchar las diferencias entre "AMOK" y "The Eraser" es fácil, el primer proyecto fue austero y esqueleto de este proyecto, lo que ha cambiado desde 2006 hasta hoy no ha sido el proyecto solista de Thom Yorke sino la banda que lidera y las colaboraciones que ha hecho. Thom es hoy un artista que cruza géneros teniendo en su lista de colaboraciones muchísimos artistas del radar electrónico; desde Burial y Four Tet hasta Modeselektor, desde DJ Shadow hasta Flying Lotus.

¿Qué es lo que hace diferente en "AMOK"? Comenzando el álbum se encuentra la canción "Before Your Very Eyes", de cerca parece cualquier canción que no logró el corte en "King Of Limbs" de Radiohead pero que brilla por el mérito de tener un bajo mucho más majestuoso, esto no sería posible sin cortesía de Flea, en realidad es el único que contribuye a que el sonido se distancie de un usual trabajo de Radiohead. El momento en el que la canción toma un segundo tono es cuando se comienza a distanciar de Radiohead, justo cuando comienza un fuerte sintetizador encima de la voz de Thom Yorke que nos distancia un poco del nivel de detalle que daba al principio, el bajo también deja de tener protagonismo y la canción comienza a sonar al fondo de los sintetizadores.

La segunda canción, "Default", sí toma una dirección que se distancia un poco más del sonido tradicional de Radiohead o los proyectos de los otros músicos. La letra es incoherente y la música se distancia de la vulnerabilidad que podría aportarle Thom Yorke, la canción termina con Yorke cantando "It's eating me up". Eso es exactamente lo que hace la canción, tragarse cualquier aporte que pueda hacer Thom Yorke.

El álbum repite esta fórmula, sintetizadores protagónicos demasiado claros para ser atmosféricos pero demasiado abstractos para dar un cuadro concreto o una dirección. Los únicos momentos en los que ese cuadro de abstracciones apuntan a una dirección concreta son los momentos en los que el bajo de Flea influencia la canción; el principio de "Before Your Very Eyes", la segunda mitad de "Unless", la canción completa de "Stuck Together Pieces".

Todos disfrutamos a un Thom Yorke más animado bailando como luego lo hizo en "King Of Limbs" pero el Yorke capaz de darnos imágenes nebulosas y de dejarnos indefensos ante la presencia de su voz acompañado de músicos excepcionales es lo que uno más desea. Este momento llega en "AMOK" con la canción "Judge, Jury And Executioner" pero se queda corto e incapaz de sorprender completamente, otra canción que atina en el sentimiento es  "Reverse Running", cuenta con el nivel de vulnerabilidad suficiente, la instrumentación suficiente, los sonidos electrónicos suficientes, quizá faltó un poco más de aventura por parte del bajo pero viendo el cuadro completo, la canción es lo suficientemente buena.

"AMOK" tiene todos los elementos para ser bueno pero carece de algunos elementos para ser inolvidable; más protagonismo por parte de Thom Yorke y explorar más lo que puede aportar un bajista como Flea a la mezcla, los momentos en los que lo dejan brillar no sólo demuestra que con este proyecto es capaz de ir más allá al sonido que alcanza con los Red Hot Chilli Peppers sino el nivel y versatilidad que puede tener como músico.

Muchos fanáticos critican esta asociación Yorke-Flea pero si algo demuestra es que de los noventas han salido demasiados músicos relevantes y que Flea es un bajista virtuoso. Dentro de los Chilli Peppers quizá el brillo se lo dan más a John Frusciante, esto parece ser verdad en el contexto de la banda, pero no quita la relevancia de Flea como bajista en los momentos que ha brillado en canciones como "Give it Away" por dar uno de tantos ejemplos.

Un punto a favor del proyecto de Atoms For Peace es que los músicos asociados logran aventuras sonoras que no podrían lograr cada uno en su proyecto por separado, un ejemplo perfecto de esta afirmación es la canción "Stuck Together Pieces", un bajo prominente, una voz protagónica y elementos electrónicas que crean un espiral que no llega a la melancolía de Radiohead ni llega a la diversión descontrolada de Red Hot Chilli Peppers, ni al nivel de experimentación de David Byrne, ni a la claridad de un sonido de los noventas, ni suena directamente a Godrich, es el balance perfecto de todos los músicos, suena bien, pero no suena a un súper grupo.

Es una lástima ver que Thom Yorke se asocie con artistas de calidad para no alcanzar un nivel de ejecución en estudio con la misma calidad que se tiene cuando se ejecuta en vivo.

Tracklist:

1. Before Your Very Eyes...
2. Default
3. Ingenue
4. Dropped
5. Unless
6. Stuck Together Pieces
7. Judge, Jury And Executioner
8. Reverse Running
9. Amok

Rate: 7/10

Jamie Lidell - Jamie Lidell (2013)

Jamie Lidell es un artista inglés que se caracteriza por siempre sacar sonidos sintetizados y mezclarlos con el soul y el swing de épocas pasadas, nunca tan literal como una Amy Winehouse pero, gran parte de su trabajo hace referencia a estilos pasados y vigencia presente. Lidell siempre ha cargado con comparaciones desafortunadas, Mayer Hawthorne quizá la más relevante (yo personalmente también metería a artistas del calibre de Sébastien Tellier en la lista); pero aquello donde destaca Lidell es en tener una sensibilidad pop sin caer completamente en la indulgencia de complacer a todo el mundo con un hit que lo lleve a la fama y la gloria.

Muestra de esto se encuentra en su último disco "Compass", donde explora territorios sonoros que el disco anterior "Jim" no había explorado; y es que Jim fue el álbum más exitoso de Jim y el mas funky, desenfadado y fiestero que había sacado. Ahí es donde entra "Jamie Lidell" (el disco), de alguna manera representa la continuación apropiada de "Jim" si el deseo original hubiese sido escalar a un sonido más comercial.

El álbum comienza con la canción "I'm Selfish", una balada funk espacial con sintetizador engordado y ochentoso, el blimp y el blump de un sintetizador acompañado de una batería prominentemente golpeada y un Lidell cantando de forma pegajosa sobre su propio egoísmo y durante el clímax de la canción encntrarse dentro de la realización que hay otra forma de hacer las cosas. Ninguna gran canción pop tiene que tener un contenido profundo.

"Big Love", la segunda canción, es un cambio en el sonido de Lidell importante. Es una canción que tiene unos sintetizadores tan ochentosos y tan funky que más que una canción de Jamie Lidell pareciera una canción mala de algún record oscuro de Chromeo, a pesar de todo, una mala canción de Chromeo puede constituir una canción decente pero no llegar al nivel para ser una buena canción de Jamie Lidell, dos segundos después de que se acaba la canción se olvida completamente, interesante en la primera escuchada y efímera al momento en que comienzan las siguientes.

Cuando llega el momento de la tercera canción "What a Shame" es cuando uno cree que el experimento con sintetizadores de Lidell tiene alguna dirección y propósito, el sonido es mucho más cercano al RnB que al usual sonido funk que suele utilizar, podría parecer una versión mucho más extrema de "A Little Bit More" de su disco "Multiply" mezclada con los efectos que en momentos tiene "The Ring" del disco "Compass", mucho más experimental pero demasiado sintetizada para parecer genuina, Jamie se pierde en la experimentación.

"Do yourself A Faver" es la primera canción que apunta a una dirección favorable, suave, sexy, la mezcla perfecta entre Chromeo y Justin Timberlake, con sensibilidad pop de los ochentas y un beat y forma de cantar relevante y similar al sonido que el RnB está tratando de alcanzar en el mundo post Amy Winehouse. Esta canción además le hace la antesala al single "You Naked", una canción espacial que creó la expectativa sobre la dirección que tomaría el nuevo LP. Sin duda una de las canciones más aventureras del disco, tanto desde el punto de vista instrumental como de la forma de cantar de Lidell que sin perder su sonido característico tiende a estirar y retraer las frases en transiciones entre estrofas y coro.

"Why_Ya_Why", la sexta canción, viene completamente del campo izquierdo: una canción gordísima con trompetas y luego mezclada con muchísimos efectos, produce el efecto Dumbo borracho en la película de Disney, una trompeta borracha, un trombón grueso en el fondo, una producción sucia con sintetizadores y una voz carrasposa (que no es el fuerte de lidell), igual interesante hasta el momento en que se convierte en una canción electrónica nebulosa a la segunda mitad de la canción, sin duda se lleva el mérito de ser la canción más aventurera del disco pero no cuenta con la calidad de ser single.

"Blaming Something" es una canción con funk y fondo de bajo hecho con beatbox, muy Justin Timberlake para ser Jamie Lidell pero lo suficientemente cool para dejarlo pasar, quizá lo que molesta es que la canción es muy circunstancial, no tiene el poder adictivo que quizá puede tener una canción vieja de Lidell o del mismo Justin Timberlake.

En las canciones restantes hay un poco de todo, dos baladas espaciales con baterías rápidas, tambores y chasquidos, "So Cold" y "Don't You Love Me"; una experimentación funk con sintetizadores donde la voz de Jamie está ausente de hacer un papel protagónico, "You Know My Name"; y la última canción, "In Your Mind", que es una más que se encuentra en el ambiente espacial de los ochentas, Chromeo, Justin Timberlake, Jamie Lidell (ish) que debate el funk entre sintetizadores fuertes, batería y sonidos RnB.

En líneas generales es un disco que atina a sonidos espaciales, sintetizadores y experimentos de RnB y Funk usuales en la historia artística de Lidell pero apuntando a sensibilidades más pop. ¿Acaso este experimento constituye una dirección incorrecta? Quizá no; pero Jamie Lidell viene de ser una isla dentro de su género, un artista original, fresco, interesante; venía de ser una referencia, de manera que cuando se hablaba de Mayer Hawthorne no se comparaba a Jamie Lidell con él sino siempre eran los demás los que sonaban a Jamie. Venir de este ambiente de estatus exclusivo a un sonido donde Chromeo o Justin Timberlake lo logran con más claridad, más fama y mejor es lo que quizá representa una amenaza para Jamie, en esta cancha sí tiene competencia y tiene que pelear de manera más agresiva para destacarse.

Tracklist:

1. I'm Selfish
2. Big Love
3. What A Shame
4. Do Yourself A Faver
5. You Naked
6. Why_Ya_Why
7. Blaming Something
8. You Know My Name
9. So Cold
10. Don't You Love Me
11. In Your Mind

Rate: 6,5/10

Apparat - Krieg und Frieden (Music For Theatre) (2013)

En algún momento de la historia Leon Tolstoi fue el hombre más famoso del mundo, antes de Michael Jackson y antes de MTV, antes del capitalismo y la globalización, los libros de Tolstoi eran leídos en todo el mundo y facinaban a la humanidad. Hoy día ya no es tan popular la lectura y muchos de los clásicos mantienen su fama siendo llevados al cine o siendo adaptados a teatro, musicales y ballet. Aquí es donde entra un artista como Sascha Ring realizando la música para la adaptación teatral de Guerra y Paz realizada por el director alemán Sebastian Hartmann.

A la aparición del álbum que precede Krieg und Frieden la crítica no ha sido muy buena con Ring, su último trabajo fue incluso juzgado por querer tener appeal comercial al estilo Tiësto y otros productores alemanes de ese estilo de electrónica cuando la realidad detrás de un artista como Ring no está en el éxito sino en el arte. El elemento que resalta en cada uno de los trabajos que ha realizado Apparat como conjunto y sus colaboraciones siempre se han acercado más a arte y concepto que a música con mainstream appeal. Es imposible de todas maneras saber qué obra de arte va a tener aceptación de un público lo suficientemente amplio para ser pop, pero lo cierto es que Apparat encaja en la categoría de uno de esos artistas que han alcanzado un nivel de sensibilidad que conmueve a nivel estético pero con capacidad adictiva típica del mundo pop.

En la década que lleva haciendo música, Ring se ha convertido en un artista entregado a sus fanáticos y aislado de los medios que podrían contribuir con la promoción de su arte, quizá por esto cada álbum es menos influyente o menos difundido que el anterior, en especial si se compara con la fama obtenida por "Walls" el segundo álbum.

La adaptación de Guerra y Paz está llena de dramatismo, suspenso y sonidos ahogados en drone. Es un disco básicamente instrumental pero no posee las progresiones características de un score. Las canciones se sostienen por sí solas sin necesidad de evocar una imagen concreta de una obra concreta; su imaginario y su poder creativo tiene un poder mental en sí.

Comenzando el álbum, la canción "44" muestra un set de cuerdas definido asumiendo el protagonismo; luego, la claridad de la canción comienza a ser ensuciada con el drone  de los sintetizadores muy al estilo de "The Devil's Walk", sonidos que parecen épicos pero que nunca llegan a explotar y se mantienen en una perpetua espera a que suceda algo que nunca sucederá.

"Lighton", la tercera canción sí plantea una emoción concreta ya que tienen letra pero de todas maneras la idea de la canción nunca busca ser tan intencional como para quitarle su arte, hace referencia más a la idea de prender la luz para iluminar un panorama desierto. Esta canción comienza a introducir vibraciones furiosas de un beat muy bajo y tiene un aire experimental digno de las canciones de los viejos tiempos de Apparat, como la canción escondida de "Walls" al final de "Like Porcelain", o la canción que abre el disco "Not a Number", incluso un espíritu similar al de "Edison" del disco junto a Ellen Allien; de todas formas "Lighton" logra un espíritu mucho más contemplativo que el mostrado en esos trabajo.

"K&F Thema" es otra pieza instrumental que resalta del álbum, sutil, vulnerable y con una secuencia que va creciendo con cada vuelta añadiendo un instrumento más, igual que "44" se divide en dos partes, una primera parte exclusivamente intrumental con cuerdas y luego uniéndose a la canción con sonidos musicales al estilo caja de música. Tiene un aire al maestro de scores para películas frencés Yan Tiersen pero lo trasciende añadiendo eco, bajo, guitarras eléctricas y drone acompañado de un tambor acuoso vacío escondido en el fondo detrás del set de cuerdas.

En seguida comienza la música de la escena de la batalla de "Austerlitz", más o menos en la misma tónica del resto del álbum pero es la canción que más muestra la violencia de Guerra y Paz sin llegar a ser una canción violenta. Sonidos sucios llenos de eco y un piano grave en el fondo que comienza a ser rodeado de un set de cuerdas hasta que comienzan los tambores. El final de esta canción introduce la última canción del álbum "A Violent Sky", la segunda canción con letra del álbum. Comienza con un juego de dos pianos al estilo "Ash/Black Veil" de "The Devil's Walk" aunque con muchos más juegos con piano montando uno sobre otro hasta que el golpe de cada tecla se convierte en un sonido sintetizado y golpe de cuerdas. "A Violent Sky" a pesar de todos los intentos no alcanza el nivel épico que debería tener Guerra y Paz, pero a pesar de ser carente del contenido Épico no abandona su calidad artística.

Con este álbum, Sascha Ring A.K.A. Apparat no dio ninguna declaración, no hizo ninguna publicidad, no dio ninguna entrevista, fue un lanzamiento extremadamente personal y el éxito dependerá únicamente de su fanaticada. Para ser un productor que ha colaborado con Modeselektor y Ellen Allien y que es en parte dueño de su propia disquera, además de ser juzgado por la crítica con pretensiones comerciales más allá de sus pretensiones artísticas, Apparat demuestra con su actitud esquiva y el resultado del disco que sigue siendo un artista capaz de realizar un disco por el puro placer de realizar un aporte al arte y comunicarse únicamente a la fidelidad de sus fanáticos sin necesidad de un gran lanzamiento.

"Walls" y su éxito crítico está lejos de ser comparado con "Krieg und Frieden"; ésta está lejos de ser la intención de Apparat, pero me temo que con el pasar del tiempo Apparat se convierte en un proyecto que ambiciona dos partes del espectro musical que no siempre son congruentes, éxito comercial e integridad artística. Con esto, cada proyecto corre el riesgo de ser demasiado artístico o demasiado comercial y el balance que se encontró con "Walls" sólo ha sido equiparado por colaboraciones de Apparat con otros artistas (recordando Modeselector + Apparat = Moderat). Sigue el interrogante de si Apparat será capaz de encontrar de nuevo la fórmula perfecta de arte y accesibilidad sin comprometer ninguna de las dos partes.

Tracklist:

1. 44
2. 44 (Noise Version)
3. Lighton
4. Tod
5. Blank Page
6. PV
7. K&F Thema (Pizzicato)
8. K&F Thema
9. Austerlitz
10. A Violent Sky

Rate: 6,5/10

Foals - Holy Fire (2013)

Foals es una banda de Oxford, Inglaterra, y "Holy Fire" es su tercer álbum. Los dos discos previos fueron increíblemente aclamados por la crítica y ambos fueron disco de oro en Inglaterra. La fórmula musical de Foals consiste en fuertes juegos con la guitarra eléctrica y una fuerte batería, con intrincados acordes que encajan en las progresiones contemporáneas del math-rock. Luego del éxito de "Antidote", con su segundo disco, "Total Life Forever" la banda intentó no repetir la fórmula y apostó por un álbum mucho más melódico y melancólico.

Para esta tercera entrega la banda continúa teniendo su particular sonido pero algo cambió. Escuchando una canción como el primer single "Inhaler" se siente la contención rítmica al principio, una canción que no alcanza la complejidad de canciones como "Cassius" de su primer disco y su lentitud tampoco busca evocar la vulnerabilidad de ninguna canción de "Total Life Forever", pero hay una sorpresa escondida en esta canción. A medida que avanza va dejando sus característicos riffs y se pierde en reverbación hasta llegar al punto de quiebre "I can't get enough space!" y las banda explota en descarga de adrenalina. Toda la contención inicial de la canción y contención refleja la dificultad para respirar y luego el quiebre representando el esfuerzo por romper el espacio e inhalar, una de las canciones en las que la banda logra expresar de forma especial todo lo que la letra quiere transmitir por medio de la música.

A pesar de la explosión de "Inhaler" y su previa introducción instrumental "Prelude", el disco es mucho más accesible que sus dos trabajos previos; esto podría ser una debilidad, pero no está mal que exploren sus lados más blandos y sus fronteras pop. El perfecto ejemplo de esto es "My Number", la canción más pgajosa en la historia de Foals, hook tras hook se convierte en ligera, llevadera, bailable, desenfadada y con ritmo funk cíclico y accesible. "Everytime" es otro ejemplo de accesibilidad en la banda, suaviza una tónica similar a canciones "Total Life Forever" o "This Orient" pero con música más ambiental, menos centrada en progresar de manera intrincada pero sin perder su complejidad de composición.

"Milk & Black Spiders" y "Moon", por otro lado, parecen quedar cortas en tratar de repetir la vulnerabilidad de "Spanish Sahara" sin el gran crescendo, sin la progresión, sin la realización. Son los momentos en los que tratan de lograr algo nuevo y explorar otros territorios cuando se aprecia el rango de la banda y su versatilidad.

"Providence" es casi un himno, extremadamente simple, extremadamente pesada, con destellos de tribalidad y primitiva como su letra "I'm an animal just like you".

No todas las canciones destacan, el disco en general tiene momentos de gran acierto y momentos en donde la similaridad con trabajos anteriores sin llegar a sostenerse de la misma manera que en momentos anteriores hace que el interés se pierda por momentos. De todas maneras no es un disco que canse o que se haga difícil de escucharse de principio a fin.

Foals continúa teniendo canciones a las que uno puede quedar severamente adicto y "Holy Fire" destaca por no querer repetir las fórmulas anteriores de la manera más obvia, explorando con guitarras mucho más sencillas, canciones más "normales" y alcanzando momentos de dureza dignos de momentos del grunge de principios de los noventas y momentos de ritmos dignos del funk rock de los ochentas.

Excelente disco para todo aquel que no esperaba volver a escuchar la misma banda.

Tracklist:
 
1. Prelude
2. Inhaler
3. My Number
4. Bad Habit
5. Everytime
6. Late Night
7. Out Of The Woods
8. Milk & Black Spiders
9. Providence
10. Stepson
11. Moon

Rate: 8/10

Foxygen - We Are the 21st Century Ambassadors of Peace & Magic (2013)

Foxygen es un dúo multiintrumentalista compuesto por Jonathan Rado y Sam France que se dedica a hacer rock psicodélico con muchas referencias al pasado. En su primer EP "Takes The Kids Off Broadway" lograron de una manera muy distintiva sonar a muchos artistas a la vez, cada canción progresaba y tenía cambios inesperados, lo cual hacía del EP una mezcla interesante de influencias y ritmos caóticos pero agradables. Para su álbum debut repiten la fórmula pero esta vez con las influencias mucho más canalizadas y canciones mucho más cortas pero mejor organizadas y compuestas.

El álbum comienza dando la bienvenida al que escucha con la canción "The Darkness", aunque irónicamente muchas de las canciones del disco hablan de cultos y Dios y cosas simplemente abstractas como un buen disco de música psicodélica de los sesentas.

En el álbum la banda se centra en darle una influencia a cada canción, fácil de distinguir en la historia, nostálgica, pero con calidad suficiente para que se sostengan por sí mismas. Sí, es un álbum que fácilmente pudo haber salido en 1974, pero eso no le resta relevancia o calidad en 2013.

"The Destruction", la segunda canción, es una balada que evoca música de Velvet Underground con una cadencia similar a la de Bob Dylan, además letra juguetona sobre necesitar alguien que venda drogas en el metro pero queriendo no seguir con una personalidad adicta, de todas maneras la música suena muy inductiva a drogas como para ser muy firme la intención; sin duda una canción que marca el tono al resto del disco y se mantiene como una de las mejores.

El segundo sencillo de la banda "San Francisco" también destaca con una influencia mucho más difuminada del rock psicodélico de principios de los setenta o finales de los sesenta. La letra es un poco más abstracta con demasiadas referencias de cosas sin conexión entre ellas y con una música infantil que ha tratado de ser recreada por otros artistas nuevos como MGMT pero nunca respetando la pureza inicial del género.

"Shuggie", el primer sencillo destaca por ser una de las canciones más cortas del disco pero a la vez la que más variedad y cambios tiene, excelente balada que pone en evidencia la capacidad que ha desarrollado el dúo en crear diversidad en cortos espacios de tiempo, además ejecutada de forma impecable; mucho más parecida a la influencia de Bowie que otras de las canciones del disco.

También tiene coqueteos con música de garage en el interlude instrumental "Bowling Trophies" y la balada "Oh Yeah" pero con la pureza del sonido y variedad de instrumentación que resultaba ser más común en bandas antañonas como The Kinks. "On Blue Mountain" y "We Are the 21st Century Ambassadors of Peace & Magic" coquetean con el Rockabilly, "On Blue Mountain" evocando por momentos la versión de "Suspicious Mind" de Elvis Priestley.

"On No 2" es una balada espacial, momento que influenció mucho la música picodélica de principios de los setenta, David Bowie o Jefferson Airplane, y llevó la música a sonar al futuro aunque que ahora suene al pasado.

Extrañamente Dios también parece ser un tema constante del álbum pero nunca de forma moralizante o verdaderamente religiosa; tal vez por eso habla de dar la bienvenida a la oscuridad en la primera canción, pero la verdad es que nunca llega a adentrarse en una oscuridad intencional o real. Con este álbum Foxygen demuestra su habilidad para cruzar géneros y para que suene nostálgico pero relevante en estos tiempos.

Tracklist:

1. In The Darkness
2. No Destruction
3. On Blue Mountain
4. San Francisco
5. Bowling Trophies
6. Shuggie
7. Oh Yeah
8. We Are the 21st Century Ambassadors of Peace & Magic
9. Oh No 2

Rate: 9/10

Torres - Torres (2013)

Se habla mucho del regreso de los noventas; tanto en el pop como en el rock se han estado dando pasos en esta dirección, artistas como EMA o Yuck y el retorno de bandas como My Bloody Valentine y Dinosaur Jr. hacen que el sonido característico de los noventas en pop y en rock vuelva a tener influencia. En esta tendencia se encuentra Mackenzie Scott, A.K.A. Torres. La artista de 22 años llena sus letras con contenidos sobre abyección, aislamiento, problemas de mujeres acompañando las letras con una guitarra eléctrica y pequeños arreglos de otros instrumentos. La música es sutil con arreglos de producción que conservan la grabación íntima. El proceso de grabación se realizó en sesiones directas y el resultado es canciones que evocan a una PJ Harvey en los noventas pero con un espíritu menos experimental, Cat Power también me viene a la mente para describir su sonido.

El disco cuenta con canciones de increíble poder lírico, la segunda canción, "Honey" habla de la decepción dentro de una relación que pareciera haber tomado tiempo donde el personaje creado por Scott toma confianza suficiente para hablar de la relación. La canción está llena de acordes poderosos y va ascendiendo su volumen y reverbaciones para acentuar los sentimientos. El título de la canción sugiere la dulzura con la cual se entregan malas noticias cuando se ha estado mucho tiempo en una relación.

"November Baby" es una canción de 7 minutos, calmada, vulnerable y anecdótica, pero la historia no es la que hace la canción, sino la guitarra y el bajo sosteniendo cada nota dulcemente cantada. Otra canción hermosa es "Moon & Back", sobre una madre que entregó a su hijo y le deja una carta para ser leída en el futuro. Más allá de narrar la historia es una carta centrada en el amor de una madre a su hijo y entregándolo por una mejor vida, la canción alcanza su realización con un mínimo acuerdo de cuerdas y percusión que no sobrecarga la simpleza mínima del sentimiento que quiere transmitir ni el protagonismo de la voz al frente.

Otros puntos altos del disco son canciones como "Chains", llena de misterio narrando la liberación de una relación donde las cadenas con las que mantenía atada la relación rompe su eslabón más débil y queda pidiendo al hombre que todavía no renuncie a la relación sin ningún plan de cómo hacer para mantenerla. La música en esta pieza es llena de una guitarra crujiente y nunca tiene un momento explosivo. "When Winter's Over" es la canción más instrumentada del disco y recuerda los arreglos del rock alternativo de principios de los noventas, ese que hizo tan popular a artistas como Joan Osborne o Lisa Loeb.

"Jealousy and I" es otra canción que incorpora la preocupación dentro de una relación que la lleva a sofocar una relación, habla de su relación con los celos y sus inseguridades; maneja la imagen de una relación que comenzó pero se va de control en el momento que ella comienza a sentirse cerca de la persona y se siente amenazada por lo desconocido del mundo exterior. Más que la relación de ella con una persona, la canción trata de su relación con los mismos celos y que es una carga que ella pone en sus relaciones y no le importa, sus relaciones no afectan su relación con los celos; todo cantado con una guitarra eléctrica. Una de las mejores canciones del álbum.

Sus letras están llenas d imágenes naturales, brisa, rocas, luz. El cierre "Waterfall" establece todas las imágenes y las lleva a un momento más contemplativo y quizá oscuro preguntándole a una cascada si en algún momento se detiene a mitad de camino a pesar que quizá nunca había querido saltar en absoluto, contemplando quizá un momento que juega con fantasías suicidas; ve la idea de la caída de la cascada como una liberación pero también la posibilidad de mantenerse andando sin que quizá el arrepentimiento le invada a mitad de caída, "Maybe it'll all be better in the morning", dice.

Sin duda Torres es un proyecto que no tiene ningún descubrimiento en términos de composición y letras. Es un disco hermosamente ejecutado, eso le da suficiente validación, especialmente por tratarse de un disco debut.

Tracklist:
1. Mother Earth, Father God
2. Honey
3. Jealousy And I
4. November Baby
5. When Winter's Over
6. Chains
7. Moon & Back
8. Don't Run Away, Emilie
9. Come To Terms
10. Waterfall

Rate: 8/10

Milo - Things That Happen at Day / Things That Happen at Night EP's (2013)

Rory Ferreira, A.K.A. Milo, es un rapero de Wisconsin que tomó por tormenta el mundo del hip hop en 2011 con su disco "I wish my brother Rob was here", un álbum que fue funky y que narraba las aventuras de un rapero intelectual y nerd, un álbum fresco y libre de reflexiones profundas pero lleno de semántica capaz de hacer que las canciones fuesen relevantes para personas sin importar si las experiencias personales del que escucha tengan que ver directamente con la vida de Milo. Su segundo disco tuvo una ambición más experimental, "Taking Baths" fue un álbum con sonidos enteramente producidos por Baths (Will Wiesenfeld), aclamado por la crítica por su álbum debut "Cerulean" y comparado con artistas del calibre de Four Tet.

Para estos dos EP's la diferencia entre "day" y "night" no es la que uno espera, la única diferencia es los nombres de los productores, porque ni siquiera la forma de producir es diferente. Desde la aparición de A$AP Rocky la popularidad del hip hop atmosférico ha buscado cada vez sonidos más ambiciosos y Milo es la perfecta muestra de esta afirmación. El primer EP "Things that Happen at Day" comienza con la canción Sweet Chin Music, una pieza con voces de fondo y la letra que habla de experiencias personales narradas en retrospectivas. Desde el principio Milo narra su deseo por ser mejor escritor, anunciando de alguna manera que sus rimas y forma de rapear es diferente, su personalidad es de nerd y una persona con incomodidad en situaciones sociales.

La segunda canción introduce todos los sonidos ambientales que se mantendrán a lo largo de los dos EP's y canciones como "folk-metaphysics" es una especie de lista de metas que se sienten interrumpidas por los problemas diarios. Milo es un lírico de referencias, rima sobre filosofía, historietas, Pablo Neruda y estar incómodo con todo el asunto de ser intelectual, letrado, bien hablado e incómodo en situaciones sociales. "folk-metaphysics" es quizá la canción que más me sorprende de ambos EP's, no sólo por haber estudiado filosofía y sentirme identificado con frases como "I don't know much about being in nothingness, but I might just be a being of nothingness" y hacer una referencia inmediata al coro de "One Headlight" de los Wallflowers. Sin duda el más existencialista de todos los raperos.

La tercera canción "legends of the hidden temple" cuenta con un set de cuerdas y samples de instrumentos de viento que es absolutamente impecable. La última canción del primer EP "almond milk paradise (ft. Safari Al)" también tiene una producción impecable y es quizá la canción con más appeal comercial.

El segundo EP "Things That Happen at Night" comienza con sonidos atmosféricos y un verso en latín, se marca la diferencia del primer EP sólo en el ritmo de las rimas pero se mantiene el mismo sentimiento, los mismos sentimientos, las mismas referencias a experiencias personales. Esa primera canción "a lazy coon’s obiter dictum" tiene imagenes mucho más psicodélicas como ver la lengua de Danny Brown flotando en el espacio y cosas por el estilo.  La segunda canción "the Gus Haynes cribbage league (ft. Busdriver)" tiene también una referencia al principio del R&B en la música. Y la tercera canción comenzando con un sample de "Billie Holiday" de Warpaint y rimas sobre ser solipsista y sentirse alienado por su forma de rimar frente a terceros y afirmar "I'm leading a legion of booksmart idiots" y referencias a la vanidad de la existencia.

La última canción además es el primer single "post hoc ergo propter hoc (for Schopenhauer)" una clara referencia a su vida encerrada en autores de filosofía, ensayos y ser un nerd. Continúa con la característica producción atmosférica del segundo EP pero una de las canciones más débiles de ambos EP's, una forma poco convencional de llamar la atención pero si la persona se engancha con una de las canciones menos fuertes de ambos EP's el deseo de tenerlos sería más alto. Igual no creo que la intención del primer single tenga una intención comercial.

En retrospectiva, para algunos su forma de componer y rimar basado en experiencias personales y alienación intelectual puede resultar tedioso, sin importar esto, cualquiera que admire la producción atmosféricas puede igual venir por la música. Para mi estos dos EP's son de lo mejor que se han sacado en este género de Hip Hop.

Tracklist:

things that happen at day
1. sweet chin music (the fisher king’s anthem)
2. almost cut my hair (for Crosby)
3. folk-metaphysics
4. legends of the hidden temple
5. almond milk paradise (ft. Safari Al)

things that happen at night
1. a lazy coon’s obiter dictum
2. the Gus Haynes cribbage league (ft. Busdriver)
3. monologion
4. folk-metaphysics, 2nd ed.
5. post hoc ergo propter hoc (for Schopenhauer)

Rate: 8.3/10

Dawn Richard - Goldenheart (2013)

El R&B es un género que nunca se ha ido pero por mucho tiempo ha estado fuera del ojo de la tormenta "alternativa". Adele fue el primer hit del mainstream que coqueteó con la idea de que el género volviera a tomar protagonismo sin caer en la completa indulgencia del club, y tan exitoso fue su intento que su disco 21 es el más vendido en lo que va de milenio (en el Reino Unido) y no se queda atrás en ser uno de los álbums pop más exitosos de los últimos tiempos. Detrás de Adele, y más fieles a la pureza del género, y a los oídos de aquellos que buscan substancia en el R&B, encontramos otras mujeres como Jessie War, diseñadas para bailar y despreocuparse.

Existen también mujeres tratando de lograr un puesto en el R&B alternativo que no sean mujeres blancas u hombres negros, más allá de Adele y Jessie Ware, Más allá de Miguel, The Weeknd o Frank Ocean. En ese territorio inexplorado que está diseñado para el club y que deja atrás la influencia que conservaba algo de espíritu propio que alguna vez tuvieron artistas como Lauryn Hill, Alicia Keys (al principio) y Kelis. Más allá de esas fronteras han resurgido una cantidad de cantantes y entre esas una que alguna vez estuvo en un reality show al estilo Making The Band con P. Diddy como mentor. De ese programa salió Danity Kane, una banda de cuarta que nunca llegó a hacer nada decente, luego otro intento de Diddy fue la creación de Diddy Dirty Money; para este proyecto Diddy arrastró a una de las miembros de Danity Kane.

Luchando para salir de este círculo Dawn Richard comenzó a trabajar sola hasta lograr la creación de un proyecto con mucha más cabeza y una historia que contar. Su primer EP Armour On logró no sólo éxitos de la crítica independiente sino que la hizo ganarse el respeto de muchos, de la completa basura creada para entretener puede salir algo bueno destinado a cultivar un mensaje.

Para su disco Goldenheart continúa el mensaje de su EP, con su armadura puesta se prepara para la guerra. Como en todo disco de R&B los temas son básicos, la guerra es sentimental y siempre relacionada con amor y sus tribulaciones. Un poco viviendo el lema ochentero de Pat Benetar "Love is a battlefield". La primera canción prepara para el recorrido "In The Hearts Tonight (Intro)", que no sólo se formula como un personaje de la historia sino que hace guiño a Phill Collins con la canción que lleva el mismo título. De ahí en adelante comienza una batalla épica por el amor, aveces por sí misma, aveces por un hombre, aveces simplemente por anteponer a la pasión dañina.

Una canción como "Riot" se desarrolla con un beat techno relajado pero gracias a la personalidad de Richard no alcanza los niveles de indulgencia y cursilería a la que se caería si tuviese un featuring con Aviici o Steve Aeoki o David Guetta. Mantiene un nivel reflexivo que intenta evocar más a la historia. La siguiente canción "Pretty Wicked Things" hace lo mismo pero con ritmos del Dub Step, su referencia al género la hace con muchísima más clase y respetando muchísimo más su personalidad como artista que artistas que han hecho el intento de cruzar géneros, mejor que Britney Spears e incluso mejor que Muse.

Todos los intentos narrativos y musicales llevan a una de las mejores canciones del disco "Tug of War", la canción donde el clímax de la ambigüedad de una relación lleva a una lucha entre partes opuestas. Todo alcanza una posible realización en canciones como "Break Of Dawn", una balada épica con sintetizadores, producción atmosférica, baterías, piano, juego de voces; todo lo que tiene que tener una power ballad.

A pesar de todos estos intentos el disco se hace demasiado largo, aquellos que lo escuchen seguro seleccionarán sus preferidas y desecharán el resto, esto le resta calidad al disco como conjunto, no logró hacer una historia o interpretar el mensaje con la calidad que artistas como Janelle Monáe hicieran hace un par de años.

A pesar de esto, el recorrido de Dawn Richard tiene una dignidad, el trabajo no cuenta con ninguna gran colaboración, la producción no tiene ningún nombre espectacular. Este es el trabajo hecho a pulso por la misma Dawn Richard, fuera de la sombra de Diddy, alcanzando su independencia y transmitiendo su mensaje. Un álbum necesario para el R&B y para la carrera de una artista que está encontrando libertad creativa. Es una referencia más al R&B para aquellos que nunca han escuchado a The Weeknd.

Tracklist:

1. In The Hearts Tonight (Intro)
2. Return Of A Queen
3. Goliath (Interlude)
4. Riot
5. Gleaux
6. Pretty Wicked Things
7. Northern Lights
8. Frequency
9. Warfaire (Interlude)
10. Tug Of War
11. Ode To You
12. '86
13. In Your Eyes
14. Break Of Dawn
15. 300
16. Goldenheart (Outro)

Rate: 7/10

My Bloody Valentine - MBV (2013)

21 años han pasado desde que My Bloody Valentine sacaba nuevo material. Les tomó más tiempo que la democracia China, les tomó más tiempo que la fecha en la que el último disco de Nirvana fue realizado. En 21 años Godspeed You! Black Emperor tardó 12 años en sacar un follow up al exitoso "Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven", les tomó más tiempo que el próximo disco que quizá algún día haga Lauryn Hill si decide dejar su fanatismo religioso y su locura atrás y se concentra en entregarle al mundo lo que quiere y merece. Hay que estar loco para esperar durante 21 años un álbum y más loco para tardar en sacarlo.

Más allá de esto, conviene hablar de qué esperar de My Bloody Valentine en estos 21 años. ¿Acaso es lícito juzgar a MBV bajo la luz nostálgica de It's You y Loveless? Si bien la influencia de My Bloody Valentine es innegable, el estatus de leyenda pone en riesgo la comprensión de muchísimos de los die hard fans que esperaban un disco igual de influyente a Loveless 21 años después. Dicho esto, lo que se puede esperar es pop, no el pop efímero sino el pop trascendental, eterno, lleno de excelencia; ¿acaso eso sigue siendo pop?

El lanzamiento de MBV estuvo lleno de controversias, desde la fobia de Kevin Shields en cumplir cualquier plazo a su creatividad, que llevó a fechas falsas hasta fanáticos diciendo que así saliera el disco ya no lo comprarían porque se sentían engañados; como fans que, cuando por fin llegó la hora, hicieron que la página de My Bloody Valentine colapsara y la desesperación llegó a niveles tales que  hasta una petición del pueblo de los Estados Unidos al presidente se realizó, donde se pidió a Obama que hiciera algo para que la página de My Bloody Valentine volviera a funcionar. Ese es el efecto My Bloody Valentine, si no hay drama, angustia, engaño y desesperación no sería un lanzamiento de My Bloody Valentine.

21 años después de esperar, MBV es el disco más corto que ha hecho la banda. Quizá su poder de influencia hoy en día sea reavivar la llama del rock de los noventas, que desde hace unos años está tratando de retomar su poderío. MBV tiene todo lo que un follow up de Loveless debería tener, comienza con canciones que, más allá de llevar la banda a territorios nuevos, hace referencias de los trabajos anteriores aunque con un protagonismo de la voz de Bilinda Butcher inusual y refrescante, un perfecto ejemplo de esto es "Only Tomorrow", la segunda canción del disco. 

Estas referencias terminan cuando comienza la canción "New You", quizá la canción más pegajosa y straight forward que ha sacado la banda en su carrera, aparece. "New You" es una melodía pop clara de nuevo con la voz de Bilinda Butcher tomando el protagonismo, como si la música quedara atrás formando la nube ambientadora en vez de ser la verdadera causa.

Hasta "New You" MBV es un buen disco de My Bloody Valentine que no se ha preocupado por adentrarse en territorios nuevos ni a mostrar la capacidad explorativa que tiene Kevin Shields detrás de la guitarra. Hasta que llegó "In Another Way", con el título ya pareciera advertir que se va a tomar otro camino, con una batería ritual de Colm O'Ciosoig y Kevin Shields haciendo que su característico trémolo y sus reverbaciones alcancen un pico al que no llegaba con Loveless. Quizá una de las mejores canciones del disco. La siguiente canción, "Nothing Is", es una frenética canción que al estilo My Bloody Valentine alcanza tal nivel de sonido que bloquea todo lo demás que esté ocurriendo y obliga a absorber el sonido...esa capacidad de bloquear cualquier pensamiento y ahogarlo en sonido hasta que quedes completamente relajado, una de las razones que originalmente me llevan a escuchar a My Bloody Valentine o al shoegaze en general. "Nothing Is" hace que Sields alcance su verdadero esplendor. Finalmente "Wonder 2" es la perfecta canción WTF del álbum, ahogada en reverbación de la guitarra que suena a la turbina de un avión. Luego la canción se desenvuelve debajo de ese sonido de aeropuerto, se aprecia una batería metálica y la voz de Shields al fondo siendo interrumpida en instantes por su guitarra sonando casi como un instrumento de aire sin eliminar el sonido de ambientación que sale de ella misma. Uno no puede más que imaginar a Shields en medio del escenario con un sin número de pedales tratando de recrear todo el sonido.

Kevin Shields volvió a posicionarse como uno de los mejores guitarristas del mundo con MBV, reposicionó su estatus de leyenda y junto a My Bloody Valentine demostraron que en el mundo Post Capitalista, Post In-Rainbows, el mundo donde la música no da mensajes sucintos y trata de expresarse de forma tan inmediata como apoteósica puede quedar todo acunado en un sonido mucho más puro, mucho más primitivo, casi sagrado.

En conclusión MBV es la continuación perfecta de la leyenda, no pudo haber sido mejor. Ante la pregunta de si será tan influyente ahora como lo fue antes, yo diría que no, ya nadie estaría dispuesto a esperar otros 21 años por otro disco de My Bloody Valentine después de MBV, pero es injusto esperar que MBV sea el nuevo Loveless porque ambos tienen su momento.

Lo único que siento con MBV es las ganas de no justificarlo y escucharlo. Ése es review suficiente.

Tracklist:

1. She Found Now

2. Only Tomorrow

3. Who Sees You

4. Is This And Yes

5. If I Am

6. New You

7. In Another Way

8. Nothing Is

9. Wonder 2

Rate: 9.5/10